Interni in grafica russa del XIX - inizio XX secolo

Quando la fotografia è stata inventata nel XIX secolo, è diventato possibile catturare la realtà con precisione documentaria. Le persone iniziarono volentieri a scattare foto e presto il ritratto ad acquerello cessò di essere richiesto e il ritratto fotografico prese saldamente il suo posto. Tuttavia, il progresso non ha influenzato in alcun modo il genere degli interni: gli interni hanno continuato a essere dipinti nello stesso volume di prima e la domanda di album ad acquerello con vedute di palazzi e tenute era ancora alta. Tuttavia, gli schizzi di interni realizzati dall'uomo sono apprezzati fino ad oggi, anche nell'era fotografia digitale e possibilità illimitate di elaborazione delle immagini. Anche se, ovviamente, piuttosto come un'eccellente eccezione alla regola generale.

V.P. Trofimov. Soggiorno bianco nella casa del governatore generale di Mosca. Primi del 1900. Frammento

AP Barishnikov. Salone rosso nella casa del governatore generale di Mosca. 1902. Frammento

E poi tutti quelli che potevano permetterselo volevano catturare la loro casa, il nido familiare a colori. La foto era in bianco e nero e i proprietari volevano tenere a mente non solo lo spazio e la forma, ma anche il colore. La fotografia ha consentito distorsioni geometriche, deterioramento della nitidezza man mano che si allontanava dal centro, ei proprietari volevano che non rimanesse scoperto un solo dettaglio, nemmeno un singolo frammento. C'è stato un altro momento molto importante, grazie al quale il genere degli interni nella grafica ha continuato a vivere e prosperare nonostante le innovazioni tecniche. Ne parleremo sicuramente, ma un po 'più tardi. Nel frattempo, iniziamo finalmente a considerare questi stessi "ritratti" acquerellati di interni, davanti ai quali la tecnologia avanzata si è rivelata impotente.

Disegni dall'album della contessa E.A. Uvarova. 1889-1890

E.A. Uvarov. Studio-soggiorno nella tenuta dei conti Uvarovs (Porechye, provincia di Mosca). 1890

E.A. Uvarov. Studio-soggiorno nella tenuta dei conti Uvarovs (Porechye, provincia di Mosca). 1890. Frammento

Dalla fine di agosto 2016, il Museo storico statale di Mosca ha aperto una mostra che rappresenta un'intera galleria di opere grafiche del XIX e dell'inizio del XX secolo, accomunate dal tema degli interni. Designer e architetti non si vedono spesso in tali mostre, di solito preferiscono cataloghi stampati o immagini trapelate su Internet. Tuttavia, chi ha visto gli originali almeno una volta capisce quanto "nella vita reale" l'impressione sia più ricca e informativa.

Alla mostra troverai un'affascinante immersione nel mondo degli interni di personaggi famosi dell'epoca: l'imperatrice, il governatore generale di Mosca, uno storico eccezionale, figlio dell'ammiraglio Kruzenshtern, figlia del capo architetto di Odessa, il Ministro dell'Istruzione, una signora laica e anche una futura santa.

L'unicità è che queste immagini sono documenti storici che mostrano con accuratezza fattuale la decorazione interna delle case del periodo in esame. Ad esempio, sui dipinti degli olandesi del XVII secolo, i fondatori del genere degli interni, non si può dire così: gli artisti dell'epoca preferivano oggetti-simboli e allegoria, così come la chiarezza della composizione a scapito di verità storica. Nel XX secolo, la visione dell'autore e il background emotivo, che l'artista cerca di trasmettere, piuttosto che ricreare lo spazio reale, vengono alla ribalta nell'immagine dell'interno. Pertanto, i disegni dei maestri russi del XIX secolo, oltre al loro valore artistico, sono anche una fonte affidabile di informazioni sulla storia dell'interno russo.

Artista sconosciuto. Infilata di stanze in un palazzo sconosciuto. 1830

Vi parleremo di alcune delle opere che l'esposizione presenta. Il resto può essere visto alla mostra nel Museo Storico Statale fino al 28 novembre 2016, così come nell'album del catalogo Interni in grafica russa del XIX - inizio XX secolo. Dalla collezione dello Stato museo storico/ comp. E.A. Lukyanov. - M., 2016.

Soggiorno nella tenuta dei principi Shakhovsky (provincia di Mosca)- un meraviglioso esempio di comfort e semplicità di una classica casa nobiliare. Un set morbido, ricoperto di tessuti leggeri con motivi floreali, organizza con successo lo spazio, ma non lo priva di immediatezza.

Artista sconosciuto. Soggiorno nella tenuta dei principi Shakhovsky (Belaya Kolp, provincia di Mosca). 1850

Nello studio-soggiorno della tenuta dei principi Shakhovsky forme semplici di mobili si combinano liberamente con un soffitto complesso e betulla careliana color ambra — con tovaglioli bianchi e tappezzeria del divano che sembra abbastanza moderna.

Artista sconosciuto. Studio-soggiorno nella tenuta dei principi Shakhovsky (Belaya Kolp, provincia di Mosca). 1850

Ed ecco un posto dove difficilmente saremmo in grado di entrare nella realtà — ufficio del conte Uvarov nell'edificio del Ministero della Pubblica Istruzione a San Pietroburgo. SS Uvarov non solo era a capo di questo stesso ministero ed era una figura politica eccezionale del suo tempo, ma divenne anche famoso come brillante scienziato, conoscitore dell'antichità classica e collezionista d'arte. Nell'ufficio del conte c'erano, ad esempio, vasi etruschi, una scultura di amorino di E.M. Falcone, scorci pittoreschi di Venezia, oltre a molti altri oggetti e dipinti di pregio. Interessante la forma del lampadario sotto il soffitto con un "ombrello" di vetro sopra una base di metallo.

UN. Rakovich. Ufficio del Conte S.S. Uvarov nell'edificio del Ministero della Pubblica Istruzione a San Pietroburgo. 1847

Studia nella casa del professor Granovsky a Mosca affascina con la sua atmosfera accademica: libri nelle librerie, libri su una poltrona, libri su una sedia e su un portafiori. Sui tavoli — montagne di manoscritti. A proposito, ci sono due tavoli. — uno scritto, l'altro — scrivania — lavorare in piedi o seduti su uno sgabello alto. L'eccezionale storico russo T.N. Granovsky è noto per i suoi lavori scientifici e attivi attività sociali. Tante personalità di spicco dell'epoca salirono la scala a chiocciola, la cui balaustra decora con tanta grazia l'ufficio.

Artista sconosciuto. Un ufficio nella casa di T.N. Granovsky a Mosca. 1855

Tuttavia, forse allontaniamoci un po' dalla scienza e dalla politica e visitiamo salone della casa di Victoria Frantsevna Marini, figlia del principale architetto di Odessa. Qui è leggero e calmo: colori piacevoli, un tappeto, gruppi di sedie in coperte bianche come la neve. La sala è suddivisa in zone con tessuti sul cornicione. La parete frontale è decorata con drappeggi e colonne strette che fungono da base per i dipinti.

Artista sconosciuto. Salone nella casa di V.F. Marini a Odessa. 1840

Studio-soggiorno nella casa di Maria Trofimovna Pashkova a San Pietroburgo — un territorio puramente femminile: nelle finiture rosa e oro, complessi agnelloni con nappe alle finestre, sull'armadio — servizio da tè. Tuttavia, il posto centrale nella stanza è occupato da una grande scrivania con armadietti per le carte e una comoda sedia a trogolo. Lungo il perimetro del tavolo è visibile una funzionale recinzione traforata. A sinistra un divano-letto con schienale asimmetrico e ruote, a destra un grande specchio — un'intera "oasi" in vasi di fiori, raddoppiata dal riflesso dello specchio.

Artista sconosciuto. Studio-soggiorno nella casa di M.T. Pashkova a San Pietroburgo. 1830

La mostra presenta due grandi serie di acquerelli che illustrano gli interni di intere case: il palazzo del governatore generale di Mosca Sergei Alexandrovich Romanov e la villa (cottage) della principessa Zinaida Yusupova. Entrambe le case sono sopravvissute fino ad oggi, ma gli interni storici, purtroppo, no. Pertanto, è particolarmente interessante vederli nei disegni che trasmettono non solo la vita e l'atmosfera di quel tempo, ma anche i tratti della personalità di eminenti proprietari.

stanze frontali case del governatore generale di Mosca, ovviamente, colpisce per l'integrità artistica e il design lussuoso, ma per i designer pratici sarebbe probabilmente più interessante dare un'occhiata alle stanze private della casa dei Romanov. Diciamo dentro camerino del Granduca Sergei Alexandrovich, fratello di Alessandro III e zio Nicola II. Dotata di impianto idraulico con rubinetto e lavelli, sembra comunque una galleria d'arte: alle pareti fitti ritratti appesi di antenati e parenti, santi ed eroi, sul pavimento — moquette, sulla destra c'è un divano con rivestimento in raso. Anche se, se immagini una stanza senza quadri, si scopre che è decorata in modo molto funzionale e senza pathos.

io. Nivinsky. Il camerino del granduca Sergei Alexandrovich nella casa del governatore generale di Mosca. 1905

La moglie di Sergei Alexandrovich, la Granduchessa Elizaveta Feodorovna, era una principessa tedesca di nascita, dopo il matrimonio si convertì all'Ortodossia. Durante la sua vita si è distinta per pietà e misericordia, dopo la rivoluzione è stata uccisa e dopo molti anni — glorificato davanti ai santi nuovi martiri. Due disegni, realizzati nel 1904-1905, ben caratterizzano la personalità di questa donna unica, una nobildonna e allo stesso tempo una persona con qualità di santa.

Angolo di preghiera nella camera da letto della coppia arredato in modo molto confortevole e con gusto. All'angolo — icone canoniche tradizionali in una grande icona-teca pieghevole intagliata. Sui muri — dipinti su tema religioso e icone poste in cornici per la pittura. Si vede che la padrona di casa era a conoscenza delle nuove scoperte del mondo cristiano. — sulla parete destra sopra tutte le immagini è una copia del volto di Cristo dalla Sindone di Torino, che fu presentata per la prima volta al grande pubblico nel 1898, dopo aver ricevuto delle fotografie.

io. Nivinsky. La camera da letto del Granduca Sergei Alexandrovich e della Granduchessa Elisabetta Feodorovna nella casa del Governatore Generale di Mosca. Angolare con porta icone e icone in rovere intagliato. 1904

E questo boudoir della Granduchessa — il regno dei tessuti e della luce, uno spazio appartato, profondamente personale. Le pareti sono ricoperte di panni colorati, le porte e le finestre sono incorniciate da tende; tavolo, sedia, pouf avvolti interamente in tessuto; c'è un tappeto sul pavimento, una lampada in una "gonna" verde con balze. Qua e là giacciono tovaglioli bianchi e ariosi ricamati con richelieu. La monumentale toletta in legno in piedi sulla destra sembra in contrasto. Un'interessante immagine verticale sopra il traliccio, più simile a un poster oa un'illustrazione di un grande libro raffigurante un villaggio russo in inverno.

io. Nivinsky. Boudoir della Granduchessa Elisabetta Feodorovna nella casa del governatore generale di Mosca. 1905

A proposito, non tutte le opere dell'album degli interni della coppia principesca Sergei Alexandrovich ed Elizabeth Feodorovna sono esposte alla mostra. Il ciclo completo è visibile nel catalogo della mostra.

Prima di passare alla storia della seconda casa, dedicata a una serie di opere, diamo un'occhiata a un altro studio. Era impossibile passare e non menzionarlo in alcun modo. Questo studio-biblioteca nella dimora del produttore K.O. Giro a Mosca. Claudius Osipovich proveniva dalla Francia e fondò una fabbrica di tessitura a Mosca, che in seguito divenne una delle più grandi in Russia. La camera è impeccabile nella disposizione degli arredi, nella simmetria e nell'equilibrio compositivo. Ogni oggetto e oggetto è al posto giusto e in chiara connessione con altri oggetti. L'integrità si ottiene anche utilizzando lo stesso tessuto per il divano, le sedie e le tende.

A. Tech. Gabinetto-biblioteca nella villa di K.O. Giro a Mosca. 1898

La principessa Zinaida Ivanovna Yusupova, la villa (casetta) disegnata dall'artista, — questa non è la bruna dagli occhi azzurri del ritratto di Serov, ma sua nonna. Anche un'incredibile bellezza e sofisticata aristocratica, la first lady ai balli di San Pietroburgo. Lussuoso cottage a Carskoe Selo fu costruito dall'architetto di corte I.A. I monighetti sono neobarocchi e gli interni sono decorati in vari stili. L'autore dell'album con vedute dell'interno è uno dei principali acquarellisti dell'epoca, Vasily Sadovnikov — anche un cortigiano, ma un artista. La famiglia Yusupov era così influente e ricca che poteva permettersi di utilizzare i servizi di specialisti che lavoravano per gli imperatori.

V.S. Sadovnikov. Soggiorno in stile cinese. Villa (cottage) della principessa Z.I. Yusupova a Carskoe Selo. 1872

Sadovnikov ha lavorato come un vero professionista. All'inizio fece schizzi a matita di tutti i dettagli degli interni. Poi ha disegnato la prospettiva della stanza e ha creato una prospettiva generale, universale, sintetizzandola da diverse opzioni. Quindi ha disegnato uno schizzo dell'interno, distribuendo accuratamente gli oggetti in una nuova immagine "sintetizzata" da più angolazioni, ottenendo la massima copertura della stanza e l'assenza di distorsioni. Alla fine ho dipinto tutto. Il risultato è stata una presentazione ideale degli interni, con un panorama dettagliato della stanza e la correzione delle distorsioni geometriche.

In generale, l'artista ha realizzato a mano quella che oggi viene chiamata fotografia panoramica, assemblata da singole immagini, così come la correzione digitale dell'immagine, eseguita utilizzando algoritmi di compensazione negli editor grafici.

V.S. Sadovnikov. Soggiorno in stile LuigiXVI. Villa (cottage) della principessa Z.I. Yusupova a Carskoe Selo. 1872

Ricorda, all'inizio dell'articolo, abbiamo promesso di parlare di un altro punto molto importante, perché la fotocamera del XIX secolo non è riuscita a sconfiggere gli interni ad acquerello? Proprio per questo. La fotocamera non poteva farlo. Non potevo "afferrare" uno spazio ampio il più ampiamente possibile, creare una prospettiva olistica senza distorsioni geometriche e mantenere un aspetto armonioso di ogni oggetto. Tutto questo è diventato possibile solo nell'era digitale, con l'avvento dei programmi di post-elaborazione delle foto.

E poi ... E poi, a quanto pare, amavano semplicemente moltissimo le loro case, l'insolita bellezza "interiore" e le cose care al cuore, — amato così tanto da non volersi accontentare di convenzioni in bianco e nero e di piccoli frammenti. No, avevamo bisogno di colore, aria, soffitto alto, orologio sul camino e composizioni vegetali — tutto al massimo. E poiché gli artisti avevano talento, potevano trasmetterlo — poi l'amore per l'interno si è manifestato nella sua interezza, attraverso dettagliati “ritratti” ad acquerello. Possiamo solo rallegrarci sinceramente, perché grazie al fatto che il genere grafico degli interni non è stato sconfitto dal progresso, possiamo ancora goderci la bellezza della casa russa centinaia di anni dopo.

G.G. Gagarin. Infilata di stanze in un palazzo sconosciuto. 1830-1840

Mostra “Interni nella grafica russa del XIX - inizio XX secolo. Dalla collezione del Museo storico statale” è aperto fino al 28 novembre 2016 all'indirizzo: Mosca, Piazza Rossa, 1.

“In Russia, ogni nuova ondata artistica in la foto non è sovrapposta alla precedente, ma lo butta fuori bordo"

Mikhail Sidlin

Accade così che una persona che decide di conoscere i successi della fotografia artistica russa dell'inizio del XX secolo non avrà difficoltà a scoprire i nomi dei fotografi della vecchia scuola russa: Yuri Eremin, Nikolai Andreev, Pyotr Klepikov , Nikolai Petrov e altri. Senza problemi apprende, ad esempio, che anche nel periodo pre-rivoluzionario Nikolai Petrov è diventato il vincitore di mostre fotografiche internazionali a Dresda, Amburgo, Londra e " Dizionario enciclopedico"I fratelli Granat e Co. lo hanno definito il fondatore della fotografia d'arte in Russia. O che Yuri Eremin negli anni 20-30 è diventato anche il vincitore di mostre fotografiche internazionali all'estero.

Ma anche un curioso estimatore della fotografia dovrà affrontare problemi insolubili se vorrà sapere con quali risultati la nostra arte fotografica ha concluso il secolo passato, che così splendidamente l'ha iniziata. Le informazioni su questo argomento sono estremamente scarse. Inoltre, sono frammentari e non consentono a un osservatore esterno di formare un quadro completo del ruolo e del posto della fotografia artistica russa nel mondo della fotografia.

Non sorprende che la mancanza di informazioni sufficienti si formi in coscienza di massa l'opinione che il successo della nostra arte fotografica sia finito in quei lontani anni '30. IN in misura non trascurabile Ciò è stato facilitato dalle dichiarazioni di alcuni autorevoli funzionari della fotografia, avvenute sulle pagine di riviste fotografiche alla fine del secolo e successivamente, secondo cui la fotografia domestica non avrebbe avuto alcun ruolo nella fotografia mondiale del secolo scorso e non lo è conosciuto da chiunque all'estero

Quindi Dmitry Kiyan, a quel tempo Caporedattore rivista " Foto e video ”, Parlando dei risultati del secolo, ha detto:“Alla fine del ventesimo secolo, la necessità di stabilire delle priorità è chiara. E se il nostro fotografia contemporanea rimane ancora praticamente sconosciuto nell'ambito della fotografia mondiale, è solo dovuto a qualche strano malinteso". (Foto e video 7 per il 2000, p.18).
La stessa opinione è condivisa da Olga Sviblova, direttrice della Moscow House of Photography, che lo crede"in epoca sovietica, i fotografi non avevano l'opportunità di partecipare a mostre e concorsi stranieri" ("Photoshop" n. 1-2 per il 2002, p. 96).

E poco prima, nel 1998, parlando dell'obiettivo del suo prossimo progetto, aveva anche dichiarato:"Spero che questa esperienza aiuti la Russia a diventare di nuovo un partecipante a pieno titolo nel contesto fotografico internazionale, come è stato fino agli anni '30, fino a quando non è stata espulsa con la forza da lì". ("Photoshop" n. 5 per il 1998, p. 58).

Pienamente d'accordo con loro e con la rivista "Consumer":“L'Unione Sovietica era tagliata fuori dalla vita fotografica mondiale. Solo in un ambito - il giornalismo - ne è entrato in contatto: attraverso MondoPremerefoto... Ma l'intera vasta area della fotografia moderna era completamente nascosta alla vista. ("Foto e tecnica del consumatore" n. 9, 2010)

Tuttavia, con tutto il rispetto per gli autori citati, devo notare che le loro affermazioni non corrispondono alla realtà. So bene che dalla metà degli anni '60 del secolo scorso, la fotografia d'arte domestica non solo è stata proprio in questo contesto della fotografia mondiale, ma ne è stata anche una componente importante. Lo so in prima persona, perché io stesso ho partecipato direttamente a questo processo per diversi decenni. Ho centinaia di mostre fotografiche internazionali in tutto il pianeta. Oltre a riconoscimenti di ogni genere e merito ricevuti in una disputa creativa con i maggiori maestri della fotografia d'arte mondiale. La maggior parte è caduta proprio nel periodo dell'URSS. E a volte i miei premi da paesi lontani mi venivano portati da diplomatici sovietici, per i quali sono ancora grato a loro.

Suggerisco a coloro che desiderano fare qualche digressione nella non così lontana, a mio avviso, storia dell'arte fotografica russa. Determiniamo, con fatti e cifre alla mano, se hanno ragione i predicatori fotografici, che affermavano che l'arte fotografica domestica del periodo sovietico fosse rimasta sconosciuta a chiunque nel mondo. Certo, raccontare tutti i successi della nostra fotografia artistica in un articolo è impensabile, poiché la quantità di informazioni a mia disposizione è significativa. Mi soffermerò solo su una serie di frammenti, che saranno sufficienti per rispondere in modo inequivocabile alla domanda posta. Non troverai queste informazioni da nessun'altra parte, anche se sfogli tutte le riviste fotografiche del mondo o spali l'intera Internet.

Voglio sottolineare che questa pubblicazione riguarda esclusivamente mostre della più alta categoria tenute sotto gli auspici della Federazione internazionale delle arti fotografiche (FIAP), un'organizzazione mondiale all'interno dell'UNESCO, che dimostra il meglio che si crea nella fotografia su scala globale. Solo queste mostre fanno serie "tacche" nella biografia creativa del fotografo. E mentre il fotografo non fa una dichiarazione significativa su se stesso in queste mostre, non è nessuno nella comunità fotografica mondiale e non c'è modo di chiamarlo, nonostante il successo nel suo paese.

Cominciamo dai Pirenei. La Spagna è un paese di profonde tradizioni fotografiche. Qui, la fotografia come arte è richiesta dalla società, ha un ampio raggio di funzionamento e svolge un ruolo importante cultura nazionale. Non è un caso, quindi, che la Spagna sia uno dei paesi in cui da molti decenni si tengono le più prestigiose mostre internazionali di arte fotografica, che hanno ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo.

Pochi sanno che anche prima della caduta del regime fascista del generale Franco e molto prima dell'instaurazione di relazioni diplomatiche tra i nostri paesi, dalla fine degli anni '60 del secolo scorso, i fotografi sovietici partecipavano già a mostre fotografiche in Spagna.

Tra le famose mostre che si svolgono in questo paese ci sono la Biennale EUROPA e la Biennale PHOTOSPORT a Reus, che si alternano tra loro. Vediamo come sono stati correlati i successi creativi di artisti fotografici di diversi paesi all'VIII Biennale "PHOTOSPORT-84" - la più importante mostra fotografica al mondo di fotografia d'arte sul tema dello sport, e quindi è stato qui che il Trofeo dell'Olimpico Internazionale Comitato, fornito da Juan Antonio Samaranch, si è svolto come il Gran Premio, a quel tempo come presidente del CIO.

Questo è il catalogo della mostra, e sotto c'è una copia della sua tabella statistica.

DADES ESTADISTIQUES

Questa tabella mostra che i rappresentanti di 38 paesi hanno partecipato alla mostra, e uno di loro dominato da un ampio margine dal resto - il nostro paese.

Leggiamo la riga orizzontale dei numeri a sinistra del nome del nostro paese: 330 autori hanno presentato alla giuria 815 opere in bianco e nero e 28 opere a colori, per un totale di 843 opere. Nessun paese si avvicina nemmeno. Ci segue la Cecoslovacchia: 99 autori con 361 opere.

Ma questa quantità è "all'ingresso", ad es. prima della selezione della giuria, ma per quanto riguarda la situazione "all'uscita", cosa è entrato in mostra? Guardiamo la stessa riga, ma a destra del nome del nostro paese: 56 nostri autori con 63 opere in bianco e nero e 8 a colori sono stati selezionati per la mostra. Pertanto, su 164 autori, il cui lavoro ha costituito l'esposizione di questa mostra, 56 sono nostri e su 229 opere presentate in essa, 71 sono nostre. Ottimo risultato! Tutti i paesi sono lasciati indietro. La Germania ha il secondo risultato: 21 autori con 28 opere. Il terzo appartiene alla Cecoslovacchia: 16 autori con 26 opere.

Nota:

Va tenuto presente che se la giuria ha selezionato 229 opere su 3052 opere presentate per la mostra, ciò non significa affatto che il resto fosse una sorta di non standard creativo o tecnico. Il numero di opere in mostra è determinato in anticipo dagli organizzatori, in base all'area dimostrativa disponibile e al concetto generale della mostra. In accordo con questo concetto, gli artisti-designer sviluppano il layout della mostra, che determina il numero specifico di opere in mostra con la possibilità solo di piccoli cambiamenti in una direzione o nell'altra. Pertanto, se alla mostra fossero presentate mille o diecimila opere, le stesse 229 opere sarebbero comunque esposte.

Ed ecco l'elenco dei premi della mostra, quindi la giuria ha distribuito i premi.

RELACIÓ DE PREMIS

BIANCO I IMEGRE

La superiorità del nostro Paese è abbastanza evidente: una medaglia d'oro, due medaglie d'argento, sei medaglie di bronzo! Tra questi ci sono medaglie d'argento e di bronzo anche nella sezione della fotografia a colori, dove, per ragioni oggettive, a quei tempi era difficile per noi competere con maestri stranieri.

Ma voltiamo il foglio del catalogo e diamo un'occhiata a un altro elenco: premi speciali di organizzazioni internazionali.

PREMIS F.I.A.P.

Vediamo che il Grand Prix è stato assegnato anche al nostro autore Viktor Kononov, e altri tre dei nostri autori hanno ricevuto il Nastro d'Onore FIAR. La vittoria assoluta della fotografia domestica, non c'è altro da commentare! Aggiungo solo che due anni dopo, alla IX Biennale "PHOTOSPORT-86" di Reus, i nostri fotografi hanno ripetuto il successo di questa mostra, vincendo ancora una volta sia il Grand Prix che un'intera costellazione di medaglie.

E questo è il catalogo di un'altra solida mostra "ACQUEDOTTO -90" in Spagna, tenutasi nel 1990. Di seguito sono riportate le statistiche di questa mostra.

DADES ESTADISTIQUES

E qui vediamo (utilizzando il principio applicato sopra) che su 135 autori che hanno superato il crogiolo della selezione, 27 dei nostri artisti fotografici sono di nuovo i più. Delle 213 opere nella nostra esposizione - 41 (solo la Spagna ne ha di più - 56).

Ed ecco la scheda premiazione della mostra, a testimoniare ancora una volta successo assoluto i nostri fotografi Otto vincitori sono i nostri compatrioti. Inoltre, "Golden Aqueduct" (Grand Prix) di Alexander Suprun, "Silver Aqueduct" - di Pavel Kunin. Medaglie d'oro, d'argento e di bronzo FIAP anche dai nostri autori. E non è tutto, guarda tu stesso.

Premessa ai migliori autori

Ma non solo in Spagna, il lavoro dei nostri fotografi ha ricevuto meritati riconoscimenti e apprezzamenti.

Questo è il catalogo del 70° Scottish Salon of Photography 1987 a Dumfries (50 paesi partecipanti). Nella sua esposizione, 22 dei nostri autori hanno mostrato 31 opere (seconde solo all'Inghilterra). Di conseguenza, il premio più alto - la medaglia d'oro FIAR - è stato assegnato a Yuri Varigin.

Questo è il catalogo del 71° Scottish Salon of Photography 1988 a Glasgow (52 paesi partecipanti). Ora nella sua esposizione ci sono già 51 dei nostri autori con 88 opere, il maggior numero di tutti i paesi. Di conseguenza, il premio più alto - la medaglia d'oro FIAR - è stato assegnato a Stanislav Yavorsky.

Questo è il catalogo del famoso salone di fotografia di Buenos Aires 1990 (32 paesi partecipanti). Ci sono 23 dei nostri autori con 41 opere in esposizione - il maggior numero di tutti i paesi. Di conseguenza, la "Piramide d'oro" (Gran Premio) è stata assegnata ad Alexander Suprun e Valery Goretsky e Zinovy ​​​​Shegelman - medaglie d'argento.

Questo è il catalogo del 45esimo Salone Internazionale foto del 1990 a Hong Kong (44 paesi partecipanti). Solo due fotografi sovietici hanno potuto entrare nella mostra del salone, che non può essere paragonata alle mostre sopra elencate.

Ma anche insieme sono riusciti a rendere l'Unione Sovietica la vincitrice di questa mostra di arte fotografica, avendo vinto quattro premi!

Il più alto riconoscimento del salone, il Trofeo del viceré della corona inglese, il governatore Sir David Wilson (Gran Premio), è stato assegnato al portafoglio di Vitaly Tenenev. Inoltre, una delle sue opere è stata inoltre premiata con una medaglia di bronzo. Inoltre, l'altro suo lavoro è diventato l'emblema della mostra. Anche il certificato dovuto a ciascun maestro a conferma della sua partecipazione alla mostra del salone, inviato dagli organizzatori agli autori in 44 paesi, era una copia di quest'opera con il testo corrispondente.Questo accade molto raramente, quindi letteralmente sulle dita puoi contare i fotografi che hanno ricevuto un tale onore.

E Alexey Popov ha ricevuto la medaglia d'oro del salone e la medaglia d'oro della Photographic Society of America ( PSA ). Pertanto, dei quattro premi principali della mostra, tre vengono assegnati ai nostri maestri. E solo uno: una medaglia d'oro FIAP , è rimasto per tutti gli altri espositori. Bene, dove potresti desiderare di più?!

Comunque, in conclusione, torniamo in Spagna in un'occasione molto importante. Nel 1989 qui si è svolta la mostra probabilmente più rappresentativa al mondo dedicata al 150° anniversario della fotografia, la IX Biennale di Fotografia Internazionale EUROPA-89. La sua particolarità era che apparteneva alla categoria delle primphoto, cioè vi potevano partecipare solo opere già premiate in altre mostre internazionali in qualsiasi parte del mondo nel decennio dal 1979 al 1988. Ciò non significava peraltro che le opere presentate sarebbero andate direttamente all'esposizione. Ciò dava solo il diritto di stare in coda generale per l'esame da parte della giuria. Condizioni difficili! E non è un caso che a presiedere la giuria sia stato il vicepresidente della FIAR.

Questo è il catalogo della mostra: un tomo pesante e splendidamente pubblicato! A proposito, è il lavoro dell'autore sovietico, Evgeny Pavlov, che è posto sulla sua copertina.

Guarda attentamente la tabella statistica di questa mostra. Testimonia in modo convincente l'assoluta superiorità dei nostri fotografi!

PAPES ESTADISTIQUES

E sotto c'è una copia dell'elenco dei premi della mostra che parla della fenomenale vittoria dei nostri maestri sul resto del mondo. Eppure, dieci premi su diciotto sono nostri! Sì, e una medaglia speciale della Federazione fotografica della Catalogna Unione Sovietica per il maggior numero di invii.

IX BIENNALE "EUROPA 89".

Soggetto: FOTOGRAFÍES MONOCROMES PREMIADES EN SALONS INTERNACIONALES 1979/1988

Premis ais millors autori

Distincio a paisos amb major participacio

MEDALLA FEDERACIO CATALANA DE FOTOGRAFIA

URSS 304 Obres
TXECOSLOVÁQULA 121 Obres
AUSTRIA 61 Obres

E ora facciamo un'analisi finale molto importante basata sulle statistiche di questa mostra. Dal nostro Paese la mostra ha ricevuto 304 opere di 114 autori (vedi tabella statistica). Poiché ciascuna di queste opere è già stata premiata da qualche parte nel mondo, ciò significa che solo per il periodo dal 1979 al 1988. i nostri fotografi hanno vinto almeno 304 premi in tutto il mondo: un numero enorme! E questo fatto è documentato dal catalogo di questa mostra. Questo è incomparabilmente più premi ricevuti dai nostri compatrioti in mostre internazionali, non solo negli anni '30, ma anche tutte le altre fotografie scattate insieme dall'invenzione.

Tuttavia, il numero reale di premi è molto più alto. Innanzitutto, per vari motivi, non tutti i nostri vincitori hanno inviato le loro opere a questa mostra. In secondo luogo, su 304 opere, non tutte hanno un solo premio. Per dieci anni la stessa opera poteva essere premiata due, tre e cinque volte. Pertanto, il numero 304 va moltiplicato almeno due o anche tre volte per avvicinarsi al numero reale di premi ricevuti in questi anni. Esce ovunque da 600 a 900 medaglie in soli dieci anni. In media, una o anche due medaglie alla settimana per dieci anni. Questa è una quantità colossale! Ma ci sono stati anche anni '70 di successo. Sì, questo è davvero il "periodo d'oro" della nostra fotografia!

Ma quanti se ne sono accorti? Senza significato! Mentre il mondo intero ha applaudito la nostra arte fotografica e l'ha posta sui gradini più alti del piedistallo d'onore, nella nostra terra natale hanno fatto del loro meglio per non accorgersi dei suoi successi. Questa "età dell'oro" non ha toccato le pagine della rivista "Soviet Photo", che si è occupata di innalzare al cielo "capolavori" come "L'organizzatore della festa è sceso in miniera" o "Planerka in brigata". Non si rifletteva in alcun modo nel libro del famoso storico della fotografia russa Sergey Morozov "Creative Photography", sebbene sia stato scritto dall'autore proprio in questi anni. Allora era impossibile leggere di lui da nessuna parte, così come, invece, non si può leggere oggi.Non ricordo un caso in cui la televisione o la radio raccontassero qualcosa sui successi della fotografia domestica.Si dice veramente: la Russia non può essere compresa con la mente!

Credo che gli esempi forniti siano sufficienti per capire che in fotografia i nostri maestri non hanno bevuto scarpe di rafia, come sembra finora a qualcuno. Sì, avevano in mano fotocamere "Stone Age" e rapporti sui risultati dell'industria fotografica mondiale, che i loro colleghi stranieri usavano con forza e forza, erano costretti a percepire come fantascienza che non aveva nulla a che fare con loro. Ma anche in questa situazione, non hanno avuto problemi con il riconoscimento all'estero. Avevano un serio problema con il riconoscimento nel loro paese. Questo problema non è stato risolto nemmeno nel decennio post-sovietico del secolo scorso in relazione alla fotografia russa. E se sarà risolto in questo secolo è ancora una domanda molto grande.

Non sorprende che anche adesso, quando qualcuno si impegna a scrivere sulla fotografia sovietica degli anni '70 -'80 del XX secolo, secondo lo stereotipo stabilito, inizi a selezionare lo stesso mazzo di nomi di fotoreporter TASS, APN, Ogonyok, eccetera. Senza nemmeno preoccuparsi di spiegare o rendersi conto che queste persone hanno determinato solo lo stato del fotogiornalismo, e non la fotografia in generale, che esisteva e si è sviluppata con successo, nonostante tutto, e la fotografia artistica, con i suoi nomi e risultati.

Può sembrare strano che lo stato, effettuando continue iniezioni multimilionarie di fondi per il successo dello sport, per amore del famigerato prestigio agli occhi di altri paesi, non presti alcuna attenzione ai successi dei suoi connazionali nella fotografia , abbastanza commisurato a quelli sportivi. Sembrerebbe che dovrebbero essere strombazzati ove possibile. Dopotutto, questa è un'altra componente di quello stesso prestigio e inoltre non è costata allo stato un solo centesimo.

Ma è solo lo Stato che riceve in cambio dei veri milioni spesi traguardi effimeri, punti, secondi, che non hanno nessun legame con lo stato di salute della popolazione. Ma le legioni di funzionari dello sport "segano" abilmente i soldi del budget ricevono vantaggi materiali abbastanza tangibili. E sono personalmente interessati al fatto che tutti i media parlino 24 ore su 24 di sport, come se questa fosse la cosa più importante nella vita di ogni persona. Se anche la nostra arte fotografica fosse finanziata dal budget, non avrebbe meno araldi e trovatori. E promuovere i successi altrui "senza motivo", anche se per amore del prestigio del Paese, come si vede, nessuno lo vuole.

Infine, va menzionato un altro aspetto. Ad esempio, un musicista o un cantante che si esibisce può ricevere un premio statale nel proprio paese d'origine per il proprio successo nelle competizioni all'estero. Ci sono un numero qualsiasi di tali casi. Ma non c'è stato ancora un precedente per un tale premio da assegnare a un fotografo per il successo internazionale.

Anche il lavoratore, contabile o magazziniere più ordinario, avendo lavorato in qualche impresa per diversi decenni senza afferrare le stelle dal cielo, ha la possibilità di ricevere la medaglia Veterano del lavoro. Lascia che sia il più piccolo premio statale, ma offre anche a una persona alcuni vantaggi morali e materiali. Il suo proprietario riceverà una pensione più alta, sarà risarcito per una parte dei costi delle utenze, viaggerà gratuitamente con i mezzi pubblici, ecc. Pertanto, lo stato dimostra chiaramente che questa persona ha determinati meriti e la società dovrebbe riconoscerli ed essere debitrice nei suoi confronti.

Ma conosco persone in Russia che hanno ricevuto così tanti premi internazionali per la fotografia che non c'è un tavolo abbastanza grande per ognuno di loro per disporli tutti. Tuttavia, questo non dà loro alcun privilegio, perché Concetti russi non hanno fatto nulla di utile per il paese e la società.

I maestri sovietici della fotografia artistica hanno ottenuto un brillante successo in mostre internazionali di altissimo livello, guadagnandosi fama e rispetto in tutto il mondo. È impossibile nominare un altro tipo di attività umana in cui qualcuno è riuscito a ottenere risultati simili esclusivamente a spese delle proprie forze e mezzi senza il sostegno materiale, organizzativo e morale dello Stato e della società.

È grazie ai loro sforzi creativi che la fotografia russa ha completato il secolo scorso ed è entrata nel secolo in corso tra i leader del processo fotografico mondiale. Un'altra cosa è che poche persone nel nostro paese lo sanno. Ma non è colpa loro. Hanno svolto perfettamente il loro lavoro! Molti dei maestri menzionati in questa pubblicazione e lasciati fuori dal suo ambito non sono più in vita. Ma questo non è un motivo per dimenticarsene e lavarli in mare, come si dice nell'epigrafe, che ho preso per questo articolo per l'esatta formulazione della realtà russa.

Il testo è stato scritto per la mostra "San Pietroburgo nell'opera dei fotografi tedeschi del XIX secolo", che si sta svolgendo in questi giorni al Museo di Storia di San Pietroburgo e presenta fotografie uniche poco conosciute realizzate nel XIX secolo secolo da fotografi migranti dalle terre tedesche: Karl Bulla, Karl Douttendey, Alfred Lawrence, Albert Felish. Il lavoro di questi quattro fotografi tedeschi, che hanno lavorato in diversi generi fotografici: ritratto, paesaggio, fotografia di reportage, trasmette abbastanza pienamente l'immagine della vita della capitale imperiale del XIX secolo. La mostra può essere visitata fino al 14 gennaio 2015 (San Pietroburgo, Fortezza di Pietro e Paolo, sala espositiva del Ravelin Ioannovsky).

Dopo la pubblicazione dell'invenzione di Daguerre nell'estate del 1839, prima a Parigi e poi fuori dalla Francia, iniziò una vera e propria mania del dagherro. Del resto, l'accademico Arago ha autorevolmente affermato che, in primo luogo, “... un'invenzione non è tra quelle tutelabili da brevetto”, e in secondo luogo, “appena resa pubblica, tutti possono utilizzarla. Il tester più maldestro di questo metodo sarà in grado di produrre gli stessi disegni dell'artista più abile. Dal punto di vista della facilità di scattare foto, il dagherrotipo non contiene una singola tecnica che una persona non potrebbe eseguire. Non richiede assolutamente la capacità di disegnare e non richiede nemmeno una destrezza speciale. Se si aderisce rigorosamente a certe regole molto semplici e poche, allora non c'è una sola persona che non possa fare un dagherrotipo con la stessa sicurezza e così come lo stesso signor Daguerre fa le immagini. Folle di persone si sono radunate alle finestre parigine con campioni esposti di "riflessi monocromatici in una cornice", ei cittadini più intraprendenti, rendendosi presto conto che questo facile affare poteva essere redditizio, si sono precipitati alla ricerca di strumenti per un nuovo modo di dipingere. Lo spirito dei tempi che regnava a Parigi - lo spirito di impresa e di commercio - spinse i primi fotografi fuori dalla Francia, e ben presto si recarono nelle città e nei villaggi per stupire il mondo con specchi che conservano "il riflesso di una certa figura nel assenza di questa stessa figura” (Viollet de Luc). Nel classico saggio "Parigi, la capitale del XIX secolo", il filosofo tedesco Walter Benjamin sosteneva che la fioritura della fotografia nel primo decennio era dovuta al fatto che "i fotografi erano rappresentanti dell'avanguardia culturale, che [la avant-garde] forniva una parte significativa della loro clientela." Proviamo a verificare la validità di queste parole sull'esempio dei pionieri della fotografia Karl Douttendey, Albert Laurens, Alfred Felisch e Karl Bulla, che si trasferirono dalle terre tedesche a San Pietroburgo.

Carlo Dauthendey

Carl Albert Doutendey nacque il 1 novembre 1819 nella città di Aschersleben (Sassonia-Anhalt), nella famiglia di Heinrich Salomon Doutendey e Johanna Dorothea Happach. All'età di quattordici anni fu incaricato di studiare il mestiere di ottico-meccanico a Magdeburgo e all'età di 20 anni lo studente divenne apprendista presso il prestigioso istituto ottico Taubert di Lipsia. Fu qui, due anni dopo, che cambiò decisamente il suo percorso di vita e scelse la nuovissima professione di dagherrotipista. Ecco come è successo. Nel 1841, un certo viaggiatore francese apparve a Lipsia con la sua camera oscura. Un commerciante in visita, dopo aver mostrato diversi dagherrotipi al proprietario locale dell'istituto di ottica, gli ha subito venduto il suo strumento. L'affare andò a buon fine, ma divenne presto chiaro che l'ottico aveva acquisito non tanto una "scatola oscura" quanto un "maiale in un colpo", perché non esisteva un manuale chiaro per creare immagini con la fotocamera. L'ottico non ha avuto successo e l '"inganno parigino" è stato mandato nell'armadio. Tuttavia, Karl Dauthendey, che ha lavorato per lui come apprendista, ha preso fuoco e, dicendo a se stesso: "C'è qualcosa in questo", ha preso in prestito denaro, ha comprato una scatola e in tempo libero iniziò a sperimentare, padroneggiando autonomamente il "segreto di Daguerre". Il suo primo studio è stato un giardino, e le sue prime modelle sono state un giardiniere, una domestica e un soldato. Dopo un po ', il caso è stato finalmente coronato dal successo e su una lastra di rame argentato è apparso un piccolo triangolo: un ritaglio vicino al vestito sul collo del servitore. "Eureka", ha esclamato il fotografo appena coniato, "l'ho fatto". Qualcosa del genere descrive l'inizio della carriera del "primo fotografo sul suolo tedesco" Karl Douttendey, suo figlio Max nel suo libro biografico.

Ulteriori eventi si sono sviluppati come segue. Nel maggio del successivo 1842, Doubendey dimostrò il suo successo nella realizzazione di dagherrotipi alla famosa Fiera di Lipsia, dopodiché la notizia della nuova tecnica pittorica si diffuse in tutta la Germania. Ben presto il pioniere fu invitato nel Ducato di Anhalt-Dessau per sparare a persone incoronate. Dopo aver fotografato con successo il duca di Dessau e tutta la sua famiglia su un dagherrotipo, il fotografo di 23 anni si armò di una lettera di raccomandazione della duchessa (parente dell'imperatrice russa) e nell'ottobre 1843 partì alla conquista della capitale dell'Impero russo. Tuttavia, tutto si è rivelato non così semplice. Nonostante il patrocinio della sua terra natale, non è riuscito a superare a lungo gli ostacoli e le fionde burocratiche russe senza collegamenti adeguati e tangenti obbligatorie, e l'accesso al tribunale gli è stato precluso. P.M. ha raccontato delle sue prove iniziali in Russia. Olkhin, in futuro - un noto "fotografo" e parente del fotografo. “Senza conoscere né la lingua russa, né le condizioni locali, e non avendo conoscenti con cui consultare, il giovane si trovava in una posizione molto difficile. Il tempo passava ei pochi risparmi si disperdevano, tanto che Doubenday iniziò persino a informarsi sulle modalità di acquisto e sul prezzo del pane nero, in modo che, mangiandolo, potesse vivere più a lungo. Infine, secondo Olkhin, c'è stato un incontro piuttosto casuale con un simpatico pietroburghese che ha aiutato il visitatore con i soldi e si è preoccupato delle formalità per l'apertura di un istituto fotografico. (Con ogni probabilità, era il rabbino Olshwang). In un modo o nell'altro, ma nel gennaio 1844 i giornali di San Pietroburgo raccontarono al pubblico di "dagherrochimegrafia, o ritratti dagherrotipi in pittura", che furono realizzati nell '"Atelier di Karl Douttendey di Berlino" in via Bolshaya Konyushennaya nella casa Forstrem . L'atelier iniziò a riscuotere successo, ma il ritratto dagherrotipico uscì solo in una copia e per espandere l'attività era necessaria un'altra tecnologia, che potesse garantire la circolazione. Il processo di realizzazione di fotografie su carta negativa con successiva stampa di copie positive in qualsiasi numero - calotipia - fu proposto in Inghilterra da Fox Talbot già nel 1839, ma era protetto da brevetti. I tentativi di Douttendey di padroneggiare da solo il calotipo, seguendo le istruzioni incomplete dell'inglese, non ebbero successo, e nel febbraio 1847 si recò a Lipsia per padroneggiare l'innovazione, nello studio dei suoi colleghi Eduard e Bertha Weinert.

Il 3 gennaio 1848 apparve un annuncio sul quotidiano Vedomosti di San Pietroburgo: “... Ho l'onore di annunciare al pubblico più rispettato e agli amanti dell'arte che sto realizzando un nuovo tipo di ritratti dagherrotipi - che sono molto più eccellenti rispetto a quelli ordinari realizzati su lastre di metallo. Ecco i vantaggi dei nuovi dagherrotipi: 1) In questi ritratti appena inventati, la persona fotografata è raffigurata nella posizione corretta, in modo che tutti gli accessori, ad esempio spade e ordini militari, siano visibili al loro posto. Ciò aumenta naturalmente la somiglianza. 2) Un tale ritratto su carta può essere consegnato in qualsiasi numero di copie, inoltre, le copie costano molto meno della prima immagine. Poiché ho l'originale del ritratto, posso in qualsiasi momento, su richiesta dei cacciatori, fare delle copie. 3) Coloro anche questi ritratti su carta, che, con una varietà di colori, assumono l'aspetto di un bellissimo acquerello e possono essere visti da tutte le parti, il che è scomodo con i normali dagherrotipi.<…>La fiducia e gli elogi espressimi dal rispettabilissimo pubblico, e la ripetuta approvazione dei miglioramenti ai miei ritratti da parte delle riviste locali, mi fanno sperare in numerose visite e nel favore dei dilettanti.<…>Le sessioni per scattare ritratti durano non più di 5-30 secondi e vengono date ogni giorno con qualsiasi tempo dalle 10:00 alle 3:00. Il mio laboratorio, che ora ho notevolmente ampliato, si trova in via Bolshaya Konyushennaya 4, di fronte alla chiesa finlandese nella casa di Koshansky n. 16. Le speranze del maestro erano giustificate. Secondo la leggenda di famiglia, una persona vicina alla corte di Nicola I ordinò a Dautendey un album con più di 60 ritratti di personaggi famosi dell'entourage dello zar, dopodiché “la folla di carrozze in arrivo e in partenza davanti allo studio di mio padre era così grande durante la settimana in cui è dovuta intervenire la polizia. Venti artisti sono stati assunti per colorare le immagini”, scrive Max Douthenday. Da quel momento sono stati fatti i collegamenti e il successo è arrivato. Il famoso maestro ha firmato e numerato con cura le sue fotografie, e da questi autografi possiamo valutare le dimensioni dello studio in Konyushennaya Street. Nella riserva-museo "Tenuta di Muranovo" intitolata a F.I. Tyutchev, è stato conservato un ritratto del poeta, scattato da Dautendey su un calotipo intorno al 1850. Sotto l'immagine c'è l'autografo del light painter e il numero d'ordine - 5017. La cifra è impressionante!

Nel gennaio 1852, la rivista Pantheon informava i lettori: “La fotografia o light painting su carta, come sapete, appartiene alle più importanti le ultime scoperte. È stato inventato da Talbot, il perfezionatore del dagherrotipo, e ha il vantaggio di portare i ritratti dal vero alla carta per mezzo della luce del sole: la somiglianza è sorprendente, a cui il pennello di nessun artista può arrivare, e, inoltre, l'immagine non sbiadisce mai o svanisce, come nei normali dagherrotipi. Abbiamo a San Pietroburgo un eccellente fotografo, il signor Dautendey, allievo di Talbot, nato in Inghilterra. I passaggi sui giornali "... from Berlin" e "born an Englishman", ovviamente, non sono un errore o un caso: l'annuncio è stato presentato tenendo conto della mentalità del pubblico locale. Dalle più rigorose "Informazioni statistiche sulle fabbriche e sugli stabilimenti degli espositori premiati all'Esposizione delle manifatture del 1861", conosciamo l'ultimo indirizzo pietroburghese del fotografo: "Dautendey Karl, soggetto prussiano, fotografo. L'istituto fotografico si trova a San Pietroburgo sulla Prospettiva Nevskij, al numero 58, fondato nel 1843. Il lavoro è svolto da cinque dispositivi. A quel tempo, come tutti i fotografi, realizzava ritratti utilizzando la nuova "tecnologia del collodio umido".

Anche la vita personale del maestro in Russia non è stata facile. Dopo un anno di permanenza a San Pietroburgo, nel 1844, il dagherrotipista sposò la figlia del rabbino Anna Olshvang, che gli diede alla luce prima una femmina e un maschio che morirono in tenera età, e poi altre quattro figlie. Anna, affetta da depressione postpartum, si suicidò nel 1855. Nel 1855, Charles Dauthendey si sposò una seconda volta con Charlotte Caroline Friedrich, figlia di coloni tedeschi che si erano stabiliti in Russia ai tempi di Pietro il Grande dalla Germania meridionale. Nel 1860, Charles e Charlotte Caroline ebbero un figlio, Caspar. Nel 1862 Karl Dauthendey lasciò la Russia con la sua famiglia e si stabilì in Germania, a Würzburg, dove due anni dopo, all'età di 48 anni, fondò un nuovo studio nel Main Quarter in Burgergasse, 2. Qui nel 1867 nacque il suo secondo figlio, Massimiliano, è nato. Nel 1876, il maestro appena vedovo costruì un imponente edificio residenziale e casa commerciale a Kaiserstraße 9 con due atelier e un laboratorio in cui ha continuato a sperimentare con le litografie e il processo del colore. Per le sue scoperte pionieristiche in queste aree, l'inventore ha ricevuto premi a Filadelfia e Vienna.

Carl Albert Douthendey, "il primo fotografo sul suolo tedesco", morì il 5 settembre 1896 a Würzburg, in Baviera, all'età di 76 anni. Non importa come imprenditore di successo né lo era Karl Dauthenday, le sue speranze per la continuazione dell'attività da parte dei suoi figli non si sono avverate. Il figlio maggiore Kaspar, nato a San Pietroburgo, si sparò in un attacco di malattia nel 1875 a Filadelfia. Il più giovane - Massimiliano - divenne un famoso artista e poeta. Nel 1912, Max Doubtenday scrisse il libro The Spirit of My Father, in cui parlava in modo colorato degli alti e bassi di percorso di vita padre pioniere.

Alfred Laurens / Alfred Laurens

"Un fotografo di fondamentale importanza" - così nel 1882 il pioniere del russo fotografia scientifica, direttore della rivista "Photographer" V. I. Sreznevsky. Sfortunatamente, la storia ci ha fornito pochissime informazioni sull'ex famoso maestro di San Pietroburgo dei primi decenni di sviluppo della fotografia. Sreznevsky, esperto di storia della fotografia domestica, potrebbe essere preso in parola, ma i fatti a nostra disposizione, seppur pochi, indicano che nella seconda metà dell'Ottocento lo studio fotografico di Lawrence ebbe un meritato successo a San Pietroburgo. Pietroburgo e non solo.

Nella guida storico-statistica “Pietroburgo nel palmo della tua mano”, compilata da V. O. Mikhnevich nel 1874, risulta che la compagnia fotografica “Lorens” iniziò la sua attività a San Pietroburgo nel 1855. Tuttavia, i materiali conservati nell'Archivio storico di stato russo (RGIA) ci danno una data diversa. Da loro risulta che nel 1862 il fotografo Lawrence “aveva una residenza nella casa Bosse sulla Prospettiva Nevsky” e nello stesso anno acquistò un nuovo appartamento in via Bolshaya Morskaya. In questa casa all'angolo tra Bolshaya Morskaya e Kirpichny Lane in quegli anni c'era la tutela diocesana per i poveri del clero. Nell'aprile 1862, Lawrence chiese alle autorità di permettergli di allestire uno stabilimento fotografico nel suo nuovo appartamento. Con il consenso del mecenatismo, sopra l'appartamento è stata sistemata una “lanterna luminosa fotografica” e all'ingresso è stato posto un ombrellone in ghisa. Allo stesso tempo, l'amministratore fiduciario anziano, l'arciprete Kononov, ha posto la condizione per l'inquilino: “al termine dell'affitto di detto appartamento per detta istituzione, se il tetto di vetro risulta essere superfluo, devi prendere a tuo carico spese questo tetto per essere convertito in uno ordinario. Ai nostri giorni è sopravvissuta una foto in formato “visita”, sul retro della quale è stampato il testo in francese: “A. Lawrence, B. Morskaya, angolo Kirpichny lane, n. 13, San Pietroburgo ”ed era inscritto un autografo datato 1863.

Probabilmente i ritratti realizzati da Lawrence erano di gusto per i pietroburghesi, le cose andavano bene e presto il fotografo decise di trasferirsi in un luogo più prestigioso. Nel 1867, l'atelier fu trasferito sulla Prospettiva Nevsky tra le piazze Malaya Morskaya e Admiralteyskaya nella casa dell'Accademico di Architettura G. A. Bosse (Prospettiva Nevsky n. 5). A tale scopo è stato costruito un apposito padiglione nell'ala dell'edificio. La RGIA conservava la petizione del proprietario della casa, depositata il 23 febbraio 1867 al consiglio del 1° Circondario delle Comunicazioni. "Architetto Bossi. Petizione. Desideroso di allestire un padiglione fotografico nella casa della città di Bosse, costituito dalla parte Admiralteiskaya del 1° tratto lungo la Prospettiva Nevskij, come risulta dalle planimetrie sotto la lettera “A”, mi pregio di chiedere umilmente al Consiglio del 1 ° Distretto per consentirmi il lavoro di cui sopra ... Fai domanda e ricevi una copia del piano di cui mi fido Sig. Alfred Lawrence, per delega del Consigliere di Stato Harald Ernestovich Bosse. Arturo Bosse. Il 7 aprile dello stesso anno viene firmata dal vicedirettore del dipartimento delle comunicazioni idriche "l'altissima facciata approvata, per la sovrastruttura del padiglione fotografico, sulla casa dell'Architetto Bosse".

Dal 1850 fino all'inizio del 1880, la tecnologia di light painting dominante nella pratica fotografica era il cosiddetto "processo al collodio umido" con il metodo di Archer, che sostituì il dagherrotipo. La complessità del metodo, che richiedeva al fotografo una discreta conoscenza della chimica e della fisica, una vasta esperienza, abilità e attenzione, ha reso la fotografia il destino dei professionisti che hanno lavorato principalmente in studi fissi. La procedura di scatto all'inizio è stata molto difficile e lunga, ha richiesto concentrazione e pazienza sia da parte del fotografo che del cliente. Nonostante le difficoltà, secondo alcuni esperti, fino al 95% dei prodotti fotografici realizzati in quel periodo erano ritratti. Il formato "visita" era particolarmente popolare e, dal 1866, "ufficio".

L'era del collodio umido è caratterizzata da una serie di problemi tecnici irrisolti. I fotografi dovevano realizzare quasi tutto il materiale fotografico da soli. La ripresa doveva essere eseguita subito dopo la preparazione di lastre di vetro assolutamente pulite, mentre lo strato fotosensibile applicato era ancora umido (da qui il nome del processo). Dopo l'esposizione, è stato necessario processare chimicamente la lastra senza indugi e senza pause tra le singole operazioni. Bisognava prestare attenzione affinché l'immagine che appariva acquisisse la giusta saturazione, poiché era impossibile determinare la durata di tutte le fasi del processo. Ogni negativo al collodio portava tracce di lavorazioni individuali, i cui dettagli erano tenuti segreti dai fotografi. Tutto il lavoro di quel tempo procedette empiricamente per tentativi ed errori. Inoltre, il fotografo dipendeva da un laboratorio oscuro, che doveva essere collocato nelle immediate vicinanze del luogo dello scatto. Pertanto, pochi hanno osato uscire con la macchina fotografica "all'aria aperta". Quando si lavorava in aree aperte, il laboratorio doveva improvvisare sul posto: portare con sé una tenda oscura o trasformare un carrello in una camera oscura.

Tuttavia, Pietroburgo aveva bisogno di una rappresentazione pittorica, e Lawrence fu uno dei primi nella capitale a riprendere la fotografia nelle sue strade e piazze, unendo l'esperienza della tradizione pittorica con l'uso intuitivo delle possibilità della fotografia. L'intensità del lavoro di produzione rendeva le fotografie ancora piuttosto costose, ma rispetto alle tecniche visive tradizionali: pittura, incisione, litografia, ecc. — erano già disponibili per una più ampia gamma di clienti.

Nel 1870, Alfred Laurens prese parte alla regolare 14a mostra di manifatture tutta russe. Fotografie e accessori fotografici sono stati esposti nella settima sezione "Materie nel campo dell'educazione e dell'arte, applicate all'industria", nelle classi 39a e 40a. Come in altri dipartimenti e classi, i "soggetti presentati nella parte della fotografia" hanno ricevuto lodevoli premi in cinque categorie. I partecipanti sono stati presentati per la premiazione da parte di comitati di esperti. S. L. Levitsky, fotografo dal nome europeo, membro della Società fotografica di Parigi dal 1864, fu scelto come esperto nella sezione fotografica della mostra nel 1870, che più di una volta era stato eletto esperto di fotografia in mostre internazionali e nazionali . "Lo scopo e l'intero futuro della fotografia risiedono nella sua possibile ampia applicazione alla diffusione di immagini vere, distinte, ma allo stesso tempo pubblicamente disponibili da tutto ciò che può interessare la società in termini scientifici, artistici e industriali", Levitsky ha preceduto la sua relazione alla riunione della commissione con queste parole, spiegando da quale punto di vista si dovrebbero guardare i reperti presentati. Levitsky ha delineato la seconda area di attività più rilevante per i fotografi passando alle fotografie "applicate alla rimozione di vedute di interni, monumenti dell'antichità e delle arti". Allo stesso tempo, ha sostenuto che “questa applicazione ha un significato più storico, artistico e, infine, industriale rispetto alla produzione di ritratti. Il ritrattista-fotografo lavora per lo più a casa, in laboratori opportunamente allestiti; la manodopera ei suoi costi vengono pagati immediatamente, mentre la rimozione delle viste, con continui spostamenti da un luogo all'altro, richiede sia metodi più affidabili, sia costi materiali e spesso una grande perdita di tempo. Facendo una revisione dettagliata dell'esposizione fotografica, Levitsky ha osservato che “Lorenz ha esposto una raccolta di vedute di San Pietroburgo e dei suoi dintorni in una piccola dimensione pubblica (50 copechi per vista); per la sua purezza, netta finalità, non permette di desiderare di meglio. E ancora, passando ai ritratti: “Nelle opere esposte dal signor Lawrence, fotografo di San Pietroburgo, ci sono, oltre alle vedute sopra citate, diversi ritratti che meritano un'attenzione particolare; nonostante l'illuminazione audace e molto efficace, il signor Lawrence non è caduto in un contrasto eccessivo: l'immagine è piena, chiara sia nelle ombre forti che nei luoghi luminosi; in generale, nelle opere di Mr. Lawrence, vediamo un'esecuzione coscienziosa e attenta, come intendiamo una vera fotografia.

Il 25 giugno, il ministro delle finanze ha approvato la "Lista dei premi encomiabili per l'Esposizione manifatturiera tutta russa del 1870 a San Pietroburgo". Per "impeccabile prestazione coscienziosa sia ritratti che vedute" Alfred Lawrence è stato premiato con una medaglia d'argento. Ciò significava sia il riconoscimento pubblico che un aumento dei prezzi per i prodotti fabbricati dall'azienda. Non c'è da stupirsi che qualche anno dopo, nella già citata guida, Mikhnevich abbia annotato lo studio di Lawrence tra le sei "aziende più famose". Nello stesso luogo, Mikhnevich ha scritto che “in generale, tutte le fotografie a San Pietroburgo. 110, e quest'arte ha attualmente molti eccellenti interpreti tra i fotografi di San Pietroburgo. La concorrenza ha reso la fotografia ora accessibile a tutti. In fotografie mediocri puoi prendere una dozzina di carte per 75 copechi e un rublo; anche nel migliore - non costa più di 3-4 rubli. Il reddito dello studio di Lawrence negli anni '70 dell'Ottocento era calcolato fino a 15mila rubli all'anno. A San Pietroburgo, solo i fotografi di corte K. I. Bergamasko, S. L. Levitsky e G. I. Denier avevano profitti maggiori.

Il catalogo di fotografie di paesaggio pubblicato da Albert Lawrence comprende 106 prospettive, panorami, palazzi e altri importanti edifici, chiese, monumenti e ponti di San Pietroburgo. Contiene anche 55 vedute della "Collana di perle" della capitale settentrionale: Peterhof, Tsarskoye Selo e Pavlovsk. Il maestro non ha ignorato i luoghi di festa preferiti dai residenti di San Pietroburgo, fotografando 14 scene nelle vicinanze del fiume Black, delle isole Krestovsky e Kamenny. L'ampio patrimonio iconografico di Alfred Lawrence è sparso in numerose collezioni pubbliche e private in Russia e all'estero e, per quanto ne sappiamo, non è mai stato considerato collettivamente.

Non conosciamo l'anno e il luogo di nascita del maestro che ha lavorato a San Pietroburgo, né l'anno e il luogo della sua morte. Negli anni '70 dell'Ottocento apparve un nuovo indirizzo, Nevsky Prospekt n. 4, sui moduli del laboratorio fotografico Alfred Lawrence. Le foto con questo indirizzo, oltre alla medaglia del 1870, erano decorate con l'Ordine Persiano del Leone e del Sole. Secondo uno studio degli studi di ritratti di San Pietroburgo, condotto dal collezionista Yu.N. Sergeev e pubblicato nel libro Photographs for Memory. Fotografi della Prospettiva Nevskij”, negli anni 1870-80, suo figlio Eduard Albertovich Lawrence lavorava nell'azienda con suo padre.

Questo, forse, è tutto ciò che si può dire oggi del fotografo "primario" Alfred Lawrence e della sua compagnia.

Alberto Felisch

All'inizio del 1866, l'agrimensore tedesco Albert Felisch, innamorato della fotografia, decise di cambiare radicalmente vita, scegliendo e nuova professione, e un nuovo spazio per l'applicazione dei loro talenti. All'età di 27 anni, un fan della fotografia è arrivato dalla Germania a San Pietroburgo, dove ha aperto il suo istituto fotografico nella casa 7/36, che si trova all'angolo tra le corsie Bolshaya Meshchanskaya e Demidov. Ben presto il colono si convinse che il piano originale - diventare un ritrattista di successo nella capitale imperiale - non funzionava. Secondo testimoni oculari contemporanei, negli anni '60 dell'Ottocento, la Prospettiva Nevskij era una mostra continua di ritratti fotografici collocati nelle finestre di numerosi studi fotografici, che si trovavano qui in quasi tutte le case. Quindi l'agguerrita concorrenza e la relativa lontananza della nuova azienda dai flussi umani non favorirono affatto il successo della sua impresa. Passato, come direbbero ora, ricerca di marketing e trovando rapidamente la sua nicchia nel settore fotografico, il giovane imprenditore giunse alla conclusione che era necessario separarsi dall'accogliente acquario del padiglione fisso e recarsi a all'aria aperta per la produzione di vedute della bellissima città e degli interni dei suoi edifici simbolo. Dall'inizio della seconda metà dell'Ottocento a San Pietroburgo, solo due pittori di luci, Giovanni Bianchi e Alfred Lawrence, si sono impegnati costantemente in questo tipo di riprese. Bianchi iniziò la sua rappresentazione epica senza precedenti di San Pietroburgo nel 1852 e le sue vedute di grande formato, raffiguranti gli insiemi, i palazzi e le dimore della nobiltà di San Pietroburgo, furono progettate per un pubblico esigente, e Lawrence, pubblicando fotografie di piccolo formato per la vendita , ha reso la fotografia di paesaggio pubblicamente disponibile e molto richiesta dai turisti. Ovviamente, pochi dei nativi hanno osato lavorare in questi generi, temendo le inevitabili difficoltà nell'allora dominante processo di collodio umido.

La tecnologia contemporanea di pittura luminosa di Felix era sorprendentemente diversa dalla fotografia come la conosciamo oggi, quando tutti, senza alcuna esitazione, vanno con una macchina fotografica dove vogliono. Nell'era della fotografia al collodio umido, “la produzione di negativi … non era un piacere, ma un duro lavoro. Una scatola buia o una tenda, preparazioni varie e liquidi, soprattutto quando si girava su dischi più grandi, ci costringevano a portare con noi dei facchini, un carro per le bestie da soma. Ad ogni nuova location, dovevo affrontare il noioso e fastidioso montaggio di una tenda buia, preparare un disco, svilupparlo in uno spazio angusto e scomodo, lavare i piatti e, infine, smontare la tenda e imballarla per trasferirmi a un altro luogo di ripresa. Oltre a questi inevitabili inconvenienti, c'erano anche varie altre difficoltà, ad esempio l'impossibilità di stabilirsi vicino al luogo delle riprese, la mancanza di acqua, ecc. Al giorno d'oggi, i fotografi ... lavorare su lastre bagnate sembra essere una specie di martiri o eroi, e possiamo solo essere sorpresi dal loro altruismo e dalla modestia delle richieste, perché nonostante tutti i loro sforzi, sono stati ricompensati di conseguenza con un numero insignificante di negativi. In effetti, ogni ripresa richiedeva 1 o 2 ore di tempo, e solo con molto condizioni favorevoli e il lavoro estenuante al giorno si è rivelato essere appena una mezza dozzina di negativi presi da varie località. Inoltre, per ottenere un buon negativo in location, il fotografo, agendo in circostanze imprevedibili, doveva fare in modo che la lastra “percepisse correttamente l'impressione di luce” e fosse in grado di svilupparla proprio lì. “Senza questo, non sarà in grado di decidere quando si svilupperà sul posto se ha misurato correttamente il tempo per le riprese. Questo giudizio è tanto più difficile perché non ci sono regole modello applicabili a tutte le condizioni di luce e aria. Trovata la sua strada, l'appassionato non temeva le difficoltà, e ben presto si scoprì che “le sue fotografie di varie vedute di San Pietroburgo, sia semplici che stereoscopiche, godevano di meritata fama ed erano oggetto di continue vendite di opere d'arte e tipografie”.

Dopo qualche tempo, la coscienziosità con cui il maestro eseguiva gli ordini a lui affidati, l'eleganza e l'ottima qualità delle immagini furono riconosciute non solo dagli acquirenti, ma anche in un ambiente professionale. Nel 1870 Felish prese parte a due dipartimenti dell'Esposizione manifatturiera tutta russa: chimica, dove presentò "preparati chimici usati nella fotografia" e fotografica, dove espose vedute e immagini stereoscopiche. Con decisione del comitato di esperti del dipartimento fotografico, approvata dal Ministro delle finanze il 25 giugno, l'espositore A. Felis è stato insignito della 5a categoria "Honorary Review" per il lavoro fotografico. Inoltre, Felix è diventato il fotografo ufficiale di questa mostra e ne ha fotografato i padiglioni e le esposizioni.

La rivista World Illustration ha informato i lettori sulle fotografie della mostra della manifattura che sono state messe in vendita: “60 scatti per stereoscopi a 30 k ciascuno. 50 grandi scatti in 15-18 pollici, 2 p. per pezzo, prodotto in grandi quantità. Ampia selezione di vedute di San Pietroburgo per stereoscopi e cartoline. Collezione completa di 150 immagini. Ai commercianti viene concessa una grossa concessione. Fotografo della mostra A. Felish. Specialista per vedute e riprese di interni. Quest'anno, il seminario si trovava in un nuovo indirizzo, al numero civico 42 di Bolshaya Morskaya vicino a Piazza Sant'Isacco. Il fatturato annuo dell'azienda era di 10.000 rubli, impiegava 6 dipendenti e la sua specializzazione, secondo l'annuncio, era "Vedute fotografiche e immagini stereoscopiche". Nell'inverno dello stesso anno, Felish fotografò 20 grandi dipinti di Aivazovsky, ei contemporanei classificarono le immagini ottenute da loro tra i migliori esempi di riproduzioni del loro tempo.

Due anni dopo, nel 1872, la Russia celebrò il 200° anniversario della nascita di Pietro il Grande. Le celebrazioni principali si sono svolte nella capitale e Felix, superando problemi tecnici, ha rimosso con entusiasmo la decorazione festiva di monumenti ed edifici legati alle attività dell'imperatore e, salendo con la sua attrezzatura sul tetto del palazzo del Senato, ha catturato i più evento importante - un servizio di preghiera in Piazza del Senato, tenutosi il 30 maggio. Lo stesso giorno si è aperta a Mosca in tutto il suo splendore l'Esposizione del Politecnico, programmata in occasione dell'anniversario di Pietro I. Ha occupato l'intero centro di Mosca: i giardini del Cremlino, l'argine del fiume Moscova lungo il Cremlino, la piazza interna il Cremlino e la Piazza del Sale a Varvarka. Nei 62 padiglioni della mostra, per tre mesi, i visitatori hanno conosciuto l'esposizione, che ha presentato risultati industriali, agricoli, militari, scientifici, tecnici e culturali. Impero russo. In uno dei padiglioni di Mosca, come illustrazioni per la descrizione dell'Esposizione Internazionale dell'Orticoltura, sono state esposte sei fotografie di Felix nel formato 24x30 cm raffiguranti i suoi interni. (La mostra di giardinaggio si tenne a San Pietroburgo nel 1869 e fu l'unico fotografo a ricevere il diritto di fotografarla). L'eccezionale qualità di queste fotografie ha impressionato così tanto la commissione di esperti che, nonostante l'assenza dell'autore tra gli espositori della sezione fotografica, il maestro di San Pietroburgo ha ricevuto un premio: una grande medaglia d'argento per le fotografie. Allo stesso tempo, "per varie fotografie a Peterhof e nei palazzi imperiali", il fotografo è stato insignito della più alta gratitudine della Corte di Sua Maestà Imperiale.

Le vedute di San Pietroburgo e Peterhof catturate dal light painter furono messe in vendita in diverse versioni. Le più massicce erano le circolazioni su carta intestata nei formati del cosiddetto. "gabinetto-ritratto", "visita" e "stereoscopio". Il loro numero è piuttosto significativo, solo nei "gabinetti" sono state pubblicate più di 300 storie. Ha pubblicato in modo indipendente e interi album di souvenir con fotografie di paesaggi. Campioni di tali album di San Pietroburgo e Peterhof, con la scritta "Photographie und Selbstverlag v. A. Felisch in St.Petersburg" sulla copertina, sono conservati nella Biblioteca Nazionale di Francia in ottime condizioni.

Dal 1879 iniziò un nuovo periodo nelle attività di Albert Felisch nel campo fotografico, inscrivendo il suo nome nella storia della fotografia come pioniere dell'industria fotografica russa. Quest'anno, l'infaticabile appassionato ha praticamente iniziato a realizzare lastre secche, inizialmente con rimedi casalinghi, e alla fine dell'anno ha lanciato il primo lotto di lastre di gelatina secca al bromo. Un anno dopo, Felish pubblicò il primo opuscolo separato in russo sul metodo dell'emulsione per fotografi, dilettanti e turisti, Bromogelatin Method, Its Significance and Application to Photography, che divenne il primo libro di testo per i fotografi russi sulla nuova tecnologia di light painting. Nello stesso 1880, a San Pietroburgo sulla Prospettiva Nevskij nella casa n. 52, fu aperta la "Prima fabbrica russa di emulsioni e lastre di gelatina" di A. Felish, dove la produzione avveniva sotto la diretta supervisione di lui e dei suoi due figli . “Energetico, competente, sempre attento a tutte le innovazioni nella produzione di dischi, A. E. Felish ha gradualmente ampliato la sua fabbrica e migliorato la produzione. Ben presto, fotografi professionisti e fotografi dilettanti che a quel tempo erano nati in tutta la Russia stavano fotografando su lastre Felish. Conoscendo la passione dei russi per tutto ciò che è straniero e la sfiducia verso tutto ciò che è russo, si può capire quanto fossero buoni i record di Felix se riuscissero a competere con quelli stranieri con pieno successo. A poco a poco, la fabbrica aumentò la produzione e nel 1887 produceva fino a 50.000 dozzine di dischi all'anno e impiegava 15 lavoratori russi. A quel tempo, si trovava in Bolshaya Italianskaya Street al 31. I prodotti di fabbrica sono stati ripetutamente esposti in mostre fotografiche e hanno ricevuto premi per l'alta qualità delle lastre fotografiche. Nel 1890 furono aperte numerose fabbriche in Russia, che producevano un assortimento simile. “La concorrenza iniziò a far scendere i prezzi dei dischi, spesso a scapito delle loro qualità. A. E. Felish non poteva sopportare questa direzione di affari e, non volendo produrre merci economiche, ma inevitabilmente cattive ... nel 1896 chiuse la sua fabbrica.

Entrambi i figli di Felish erano suoi soci e lavorarono nell'azienda di famiglia fino alla sua chiusura. Dopo la morte di suo padre, uno dei suoi figli, Ivan, dal 1898, ha lavorato in un negozio vendendo forniture fotografiche al fidato Joachim Ivanovich Steffen, il più grande venditore russo di attrezzature fotografiche, attrezzature e materiali fotografici. Dal 1905 divenne caporedattore della rivista Photographic News. Questa rivista è stata creata su iniziativa di N. E. Ermilov e I. A. Felish ed è stata finanziata dalla ditta “I. Stefano & Co. Felix era anche responsabile dell'intera parte economica e amministrativa dell'attività editoriale. All'inizio degli anni '20 (?), Ivan Felish si trasferì in Germania. È noto che nel 1925 ha lavorato come direttore del dipartimento commerciale di Berlino società per azioni"Mimosa" (Fabbrica di carte fotografiche a Dresda) ed è stato autorizzato dall'Unione panrussa dei fotografi ad abbonarsi alla rivista "Fotografo" a Berlino (Johannes Felisch, Berlino-Tempelhof, Lindenhof, Marienstrasse, 5). Ed è anche noto che nel 1929 Ivan Albertovich Felish era il proprietario dello studio fotografico "Foto-Felisch, Berlin, W-8, Taubenstr., 34".

Carlo Bulla

Karl Oswald (Karl Karlovich) Bulla nacque in Prussia, nella provincia di Leobschutz, il 26 febbraio 1855 da una famiglia di mercanti. Intorno al 1865, i genitori - Karl Oswald Bulla e la madre Anna (nata Shefler), insieme al figlio Karl di dieci anni, si trasferirono a San Pietroburgo e lo assegnarono a lavorare in un'azienda per la produzione e la vendita di accessori fotografici. Qui il giovane Bulla iniziò ad apprendere le basi della professione, alla quale, come si scoprì in seguito, dedicò tutta la sua vita.

Forse per la prima volta l'epiteto "famoso" suonò distintamente nell'indirizzo del fotografo Karl Karlovich Bulla nel 1895 sulla "rivista fotografica russa". L'Appendice n. 2 ha pubblicato una fotografia di "Foresta" con la spiegazione: "Il negativo è stato realizzato dal nostro famoso fotografo e produttore K. K. Bulla. Obiettivo Steingel, grandangolo (serie V), apertura f/7, piastra autocostruita...”. E ancora: “Recentemente le lastre di bromogelatina del laboratorio di K. K. Bull sono state ottime, e siamo estremamente dispiaciuti che K. K. Bulla abbia chiuso il suo laboratorio proprio quando la produzione di lastre era già da lui portata a un certo grado di perfezione...”.

Aveva quarant'anni nell'anno di questa pubblicazione e apparteneva alla generazione nata Dopo invenzioni del light painting. Quindi la fotografia era per lui una cosa comune: la sua formazione in essa avveniva in un momento in cui il miracolo di ottenere immagini "disegnate dal sole stesso" aveva già smesso di stupire ed era entrato saldamente nella vita e nella coscienza di molte persone. Nel 1895 aveva già alle spalle trent'anni di esperienza, come si diceva allora, "dalla fotografia". Sappiamo molto poco di questo periodo della vita di Karl Karlovich Bulla, ma, senza dubbio, ha dovuto iniziare a costruire una carriera fotografica in un ambiente denso e competitivo creato da una generazione di pionieri nati prima fotografie.

Nella seconda metà dell'Ottocento brillarono maestri come Carl Dauthenday, Giovanni Bianchi, Ivan Aleksandrovsky, Sergei Levitsky, Heinrich Denier, William Carrick, Charles Bergamasco, Alfred Laurens, Albert Felix (1837-1908) e altri pionieri della fotografia la scena fotografica metropolitana. Furono loro che, superando molti problemi tecnici non ancora risolti dalla fotografia, progettarono obiettivi e fotocamere, migliorarono la formulazione di soluzioni di elaborazione, scrissero i primi libri di testo, studiarono se stessi e insegnarono ad altri a scattare in vari, apparentemente impossibili in termini di livello di tecnologia, condizioni. Sono stati loro a vincere le prime medaglie d'oro in varie mostre e concorsi, sono stati i primi a ricevere i titoli di "Fotografo dell'Accademia delle arti", "Fotografo delle loro maestà imperiali", "Fotografo dei teatri imperiali", ecc. . In una parola, hanno lavorato per la gloria del light painting, ampliando il raggio della sua applicazione dalla scienza all'arte e sviluppandone il linguaggio specifico.

Penso che, trovandosi in un ambiente così brillante, Karl Bulla fosse ben consapevole che lo studio di un giovane fotografo non poteva contare su un serio successo nella capitale Pietroburgo se fosse impegnato solo nella fotografia di ritratto, e la carriera di un normale fotografo ritrattista, così come la carriera di un artista, è improbabile che gli si addicesse. Nell'ultimo terzo del XIX secolo, si verificarono cambiamenti decisivi nella tecnica della fotografia: attraversò varie fasi di miglioramento e semplificazione, così che all'inizio del successivo XX secolo si sarebbe trasformata in una fotografia economica, di massa e mezzi abbastanza facili da usare per catturare un'immagine che conosciamo oggi. . Parallelamente, la domanda di materiali e forniture fotografiche è cresciuta e questa domanda sempre crescente è diventata un affare serio. E Karl Bulla ha scelto questa strada: produttore e imprenditore della fotografia. Nel 1886, sulla rivista Photograph apparve la seguente pubblicità del laboratorio fotografico di K. Bulla, situato in 110 Nevsky Prospekt: ​​“Specialità: produzione in fabbrica di lastre fotografiche a secco. Piani di ripresa, disegni, disegni e altri. Lezioni pratiche di fotografia. I prezzi sono moderati." Mentre la vecchia generazione di fotografi romantici, adagiata sugli allori, svaniva gradualmente dalla scena, il laboratorio bolliva "l'emulsione gelatinosa di Bull" e realizzava lastre fotografiche asciutte, servendo un esercito crescente di fotografi professionisti e dilettanti, e il suo proprietario, seguendo da vicino il progressi nel campo della fotografia e delle sue applicazioni, aumentò l'arsenale tecnico della sua azienda e cercò nuovi mercati. A volte in anticipo sugli eventi.

Quindi, richiesto al Ministero dell'Interno e ricevuto nel 1886 "il permesso per il diritto di produrre ogni tipo di lavoro fotografico fuori casa, come: nelle strade, negli appartamenti e nei luoghi nelle immediate vicinanze di San Pietroburgo" poteva non avere gravi implicazioni commerciali, perché a quel tempo l'interesse per l'architettura di San Pietroburgo e la sua rappresentazione nelle arti visive diminuì e l'industria della stampa non aveva ancora imparato a creare cliché dalle impressioni fotografiche. E Karl Karlovich non era uno di quelli che avrebbero girato qualcosa "per se stesso" "per amore dell'arte". Il momento di utilizzare questo documento verrà più tardi, dopo che nel 1894 lo stesso ministero consentirà i "moduli lettere aperte di fabbricazione privata”, e anche nello standard dell'Unione Postale Universale. Ciò ha permesso ai fotografi di aumentare notevolmente la circolazione delle immagini e pubblicizzare la propria attività a livello internazionale. Bulla aprì subito una tipografia e iniziò a produrre cartoline al suo interno.

Anche lo status di "fotografo del Ministero della Corte Imperiale" ricevuto nel 1896 non poteva ancora portare seri dividendi e non dava alcun vantaggio speciale: molti fotografi russi avevano uno status simile, ad esempio S. L. Levitsky, A. K. Yagelsky, moscoviti I. G. Dyagovichenko, A. I. Mei, ecc. Quindi, fino a quando non è avvenuto il cambio di generazioni, Karl Bulle, salendo all'Olimpo della fama russa, ha dovuto "guadagnare punti" in campi stranieri. E lo fece con invidiabile regolarità: nel 1899 ricevette una medaglia d'oro per le foto serali all'esposizione franco-russa della Croce Rossa, nel 1900 - la Croce della Corona rumena dal re rumeno, nel 1901 - l'Ordine della Stella di il Leone e il Sole dallo Scià di Persia, nel 1902 - una medaglia d'argento con corona "Al Merito Civile" dal Principe di Bulgaria, nel 1903 - l'Ordine dei Cavalieri della Corona d'Italia dal Re d'Italia.

Entro la fine del XIX secolo, le tecniche di stampa migliorarono e divenne possibile riprodurre riproduzioni di fotografie stampate contemporaneamente al testo. L'incredibile diffusione delle pubblicazioni illustrate ha portato a una vera rivoluzione nella fotografia e ha creato opportunità completamente nuove per l'uso delle immagini fotografiche nella pratica pubblica. Dal 1897, le fotografie di Bulla iniziarono ad apparire su una delle riviste russe più popolari, Niva, di cui divenne "autore proprio" lunghi anni. Fu allora che Karl Karlovich ottenne la vera fama. Inoltre, la gamma di lavori fotografici eseguiti dai maestri della sua azienda era ormai estremamente ampia. IN annuncio 1904, dopo l'immagine tradizionale delle insegne, segue il testo: “Sempre pronto a partire e va su invito dove richiesto. Riprende tutto, non essendo imbarazzato dalla stanza, ovunque e ovunque, sia di giorno che a qualsiasi ora della sera con la propria luce artificiale. Ritratti da defunto, gruppi di qualsiasi composizione, arredi interni di stanze, saloni, mostre, ecc. Tutti i tipi di oggetti architettonici, sia facciate interne che esterne, case, fabbriche, officine con lavoratori, automobili, linee ferroviarie, monumenti, negozi, ecc. Varie scene e tipologie, fotografie di oggetti antichi e antichi, l'apertura e la consacrazione di edifici, celebrazioni di anniversari e altro ancora. altro. Istantanee di sport di ogni tipo, da cavalli, cani e altri animali. Produciamo nel nostro padiglione: Ritratti e gruppi dal vero. Ingrandimento di ritratti da biglietti da visita o da ufficio, in qualsiasi formato. Copiare copie da biglietti da visita o da gabinetto, dipinti, incisioni, disegni e molti altri. altro. Ripresa di tutti i tipi di articoli tecnici per cliché, che possono essere facilmente consegnati al padiglione. Con la fotografia si vendono varie immagini: tipologie, eventi della giornata, sport e molto altro, che ha un interesse e una richiesta diversificata da riviste, artisti, architetti, tecnici e altri. Nel metropolitano "Niva" solo nel 1903, con la firma "secondo foto. KK Bulla, l'autore di Niva”, sono state pubblicate più di cento fotografie, e c'erano anche “Spark”, “Petersburg Life”, “Capital and Estates”, riviste europee.

Ma dovette raccogliere i frutti dal campo della fama più tardi, dopo l'anniversario di San Pietroburgo nel 1903. Nel 1904, Karl Karlovich Bulla fotografò la "prima persona dello stato": l'imperatore Nicola I. Ecco cosa seguì: la ditta "K.K. Bulla" ha ricevuto il permesso di filmare "vedute della capitale, nonché celebrazioni all'Altissima Presenza"; un certificato speciale del Comando Generale della Marina, che consente di sparare "durante le manovre, le revisioni, le esercitazioni, il varo e la posa delle navi e, in generale, tutti gli eventi legati alla vita marina"; il certificato dello Stato Maggiore del Ministero Militare consentiva alla società "di effettuare rilievi fotografici su manovre ed esercitazioni delle truppe della guardia e del distretto militare di San Pietroburgo". KK Bulla divenne un fotografo per la Russian Fire Society, la Imperial Public Library; Ha ricevuto una medaglia d'oro sul nastro Anninsky, una medaglia d'oro "Per diligenza", un ordine del 1 ° grado della tutela dei sordomuti dell'imperatrice Maria Feodorovna. Dal 1908 - nella classe mercantile, cittadino onorario (in seguito - un nobile personale), un nuovo lussuoso studio su Nevsky, 54. Inoltre: fotografo della Società imperiale russa della Croce Rossa, l'Ufficio del sindaco di San Pietroburgo, molte attività educative istituzioni; altri due ordini: francese e svedese « Commendation Sheet” del Ministero del Commercio e dell'Industria alla 1° Esposizione Internazionale dell'Aeronautica. Nel 1910 lo studio fotografico divenne fornitore della Corte del Re di Serbia, dal 1912 - "La Corte di Sua Altezza Imperiale Granduchessa Maria Pavlovna" ... Nello stesso anno, il proprietario ricevette nuovamente un "Foglio di encomio" dal Ministero del Commercio e dell'Industria alla 2a mostra fotografica della rivista "Notizie fotografiche" ... Non contare tutto! Il reddito annuo della società "K.K. Bulla" ha raggiunto i 250.000 rubli.

Entrambi i figli di Karl Karlovich Alexander e Victor divennero fotografi professionisti e il maestro stesso, essendo all'apice di una carriera brillantemente costruita, lasciò Pietrogrado per l'Estonia, sull'isola di Ezel (l'odierna Saaremaa). Secondo le leggende di famiglia, vi costruì una casa in anticipo, in cui lo aspettava la sua terza moglie, un'estone di nome Christina. Si dice che mentre viveva sull'isola, abbia fotografato la vita quotidiana dei residenti locali e insegnato l'arte della fotografia ai ragazzi. Qui nel 1929 concluse pacificamente i suoi giorni. Il famoso maestro fu sepolto nel villaggio di Yamaya in un piccolo cimitero vicino alla riva del mare.

Dopo la partenza di Karl Karlovich dalla Russia, a Pietrogrado è rimasto un colossale patrimonio fotografico (e non solo!) “Sulla base del decreto del Comitato esecutivo centrale panrusso e del Consiglio dei commissari del popolo della RSFSR del 28 gennaio 1929 e del decreto del Presidium del Consiglio di Leningrado del 29 aprile 1929, iniziarono ad arrivare negativi dal Famiglia Bull all'Ufficio archivistico regionale di Leningrado. Il trasferimento dei materiali durò fino al 1938. L'archivio ha ricevuto più di 130mila negativi, di cui quasi la metà realizzati da K. K. Bulla o con la sua partecipazione.

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Citato da: Daguerre, Niepce, Talbot - nel centenario della scoperta della fotografia / Comp. - S.V. Evgenov. M.: 1938. Relazione di Arago alla Camera dei Deputati il ​​3 luglio 1839, durante la discussione del disegno di legge sull'acquisizione dell'invenzione da parte del governo francese.

Cit. Citato da: Benjamin V. Un'opera d'arte nell'era della sua riproducibilità tecnica. Saggi selezionati / Sotto. ed. Yu A. sano. M Ibidem

Illustrazione del mondo, 1870. N. 83. S. 544

Notizie fotografiche, 1908, n.7. S. 120

Albert Eduardovich Felish // Bollettino fotografico, 1908, n. 7. S. 168

Joachim Ivanovich Steffen (06.10.1857, Lubecca - 27.10.1910, San Pietroburgo) nel 1881 si trasferì da Lubecca in Russia e nel 1882 aprì un negozio di accessori fotografici in via Kazanskaya, casa n. il proprietario lo ha trasferito in via Kazanskaya al numero civico 5. Nel 1900. fermo "io. Steffen & Co. ha aperto una filiale a Mosca, al numero 6 di Stoleshnikov Lane. I. I. Steffen fu sepolto nel cimitero luterano di Volkov a San Pietroburgo.

E. Dziuba, V. Zanozina. Karl Karlovich Bulla. Link a: RGIA, f. 1284, op. 58, d.256, l. 5 nella cat. mostra "Pietroburgo. 1903 nelle fotografie di K.K. Tori” / GMISPb. 2003

Secondo il catalogo "Pietroburgo-Pietrogrado-Leningrado in cartoline 1895-1945", K. Bull ha pubblicato più di 50 storie con solo temi di San Pietroburgo.

Per fare un confronto: il "Russian Photographic Journal" professionale ha ottenuto a malapena una tiratura di 1000 copie e la tiratura di "Niva" ha raggiunto le 250.000 copie settimanali.

I. N. Bozheryanov. Prospettiva Nevskij: ​​1703-1903: schizzo culturale e storico della vita di San Pietroburgo per due secoli. San Pietroburgo, 1901-1903

E. Dzyuba, V. Zanozina. UK. Operazione. CON.

Mostra "Souvenir giapponese" aspetto moderno sul patrimonio fotografico dell'era Meiji (1865-1912). Fu durante questo periodo storico che il Giappone divenne accessibile agli stranieri dopo duecento anni di isolamento.

Una parte della mostra è dedicata ai lavori in studio e plein air di fotografi professionisti giapponesi: Kusakabe Kimbei, Ueno Hikoma, Ogawa Kazumasa. I loro nomi sono iscritti nel "fondo d'oro" della fotografia mondiale nell'ultimo terzo del XIX secolo.

La mostra presenta anche opere di famosi autori europei che hanno lavorato in Giappone: Felice Beato, Adolfo Farsari, Raimund von Stillfried-Rathenitz, loro studenti e colleghi giapponesi.

Fino al 1859, agli stranieri non era permesso lavorare nel Paese del Sol Levante. Solo a partire dal 1868, durante il regno dell'imperatore Mutsuhito, i fotografi europei poterono aprire i propri studi in alcune città del Giappone.

Felice Beato può essere considerato il pioniere che per primo ha aperto il Giappone al mondo della fotografia. Ritratti fotografici di "bijin" (belle donne), tipi urbani e rurali, scene di genere e persino paesaggi: tutte queste "immagini del mondo che passa" rendono la fotografia giapponese legata all'incisione. Comeincisione, le stampe all'albumina erano colorate. Fin dal primole fotografie di paesaggi del Giappone sono state realizzate da fotografi italiani, francesi e inglesi ed erano destinate ad acquirenti occidentali, la costruzione della cornice, a differenza dello studio, riprese piuttosto piatte, a volte colpisce per la sua profondità, ma a differenza dell'incisione giapponese, è non gravato da dettagli.

Pittura ad ombrello
Kusakabe Kimbei
1880 - 1890

Statua del Buddha a Kamakura
Ogawa Kazumasa
1890

Geisha in palanquin-cago
Lucida Suzuki
1890

Ragazze giapponesi a pranzo
Autore sconosciuto

Vista della baia di Kashiwabara e del Monte Fuji
Autore sconosciuto
1890

Russia dalle molte facce

La Russia è un paese antico con una lunga storia, che ha celebrato il suo millesimo anniversario nel 1862. Il progetto "Molti volti della Russia" presenta fotografie d'archivio del XIX secolo: fotografie di paesaggi e di genere, ritratti di persone e cornici con immagini di monumenti architettonici delle città russe. Trasmettendo la diversità etnica e culturale del paese, le fotografie si sommano a una voluminosa immagine storica della Russia.

Il progetto include fotografie d'archivio della collezione del Museo statale e centro espositivo ROSPHOTO, raffiguranti le vedute dei principali centri urbani dell'Impero russo: San Pietroburgo, Mosca, Novgorod, Arkhangelsk, Rostov - e la vita autentica della periferia nazionale . Le fotografie di specie, etnografiche e di ritratto riflettono la diversità culturale e sociale di un paese multinazionale. Monumenti storici e architettonici, costruzione di vie di trasporto, costumi e rituali nazionali: questo e molto altro nelle immagini migliori fotografi del suo tempo è un panorama di immagini della Russia multiforme.

Le opere di Ivan Barshchevsky, lo studio "Boisson and Eggler", Maxim Dmitriev, Dmitry Ermakov, William Carrick, Alfred Laurens, Count Nostitz, Yakov Leitzinger e molti altri - con accuratezza storica ed espressività artistica trasmettono la diversità dello stile di vita della popolazione dello stato russo nella seconda metà del XIX - inizio del XX secolo.

Atelier Levitsky e figlio
La granduchessa Xenia Alexandrovna con il granduca Alexander Mikhailovich e l'imperatore Nicola II
San Pietroburgo, 1894

Il desiderio di catturare i momenti della vita che accadono a una persona o al mondo che lo circonda è sempre esistito. Ciò è evidenziato da pitture rupestri e arte. Nei dipinti di artisti, sono stati particolarmente apprezzati l'accuratezza e i dettagli, la capacità di catturare un oggetto da un'angolazione favorevole, luce, trasmettere una tavolozza di colori e ombre. Tale lavoro a volte richiedeva mesi di lavoro. È stato questo desiderio, così come il desiderio di ridurre i costi del tempo, che è diventato l'impulso per la creazione di una forma d'arte come la fotografia.

L'avvento della fotografia

Nel IV secolo aC, Aristotele, famoso scienziato dell'Antica Grecia, notò un fatto curioso: la luce che filtrava da un piccolo foro nella persiana della finestra ripeteva il paesaggio visto fuori dalla finestra con le ombre sul muro.

Inoltre, nei trattati di scienziati dei paesi arabi, inizia a essere menzionata la frase che letteralmente significa "stanza oscura". Si è rivelato essere un dispositivo a forma di scatola con un foro nella parte anteriore, con l'aiuto del quale è stato possibile copiare nature morte e paesaggi. Successivamente, la scatola è stata migliorata, fornendo metà mobili e una lente, che ha permesso di mettere a fuoco l'immagine.

Grazie alle nuove funzionalità, le immagini sono diventate molto più luminose e il dispositivo è stato chiamato "stanza luminosa", ovvero la fotocamera lucina. Tecnologie così semplici ci hanno permesso di scoprire che aspetto aveva Arkhangelsk a metà del XVII secolo. Con il loro aiuto è stata presa la prospettiva della città, che si distingue per la precisione.

Fasi di sviluppo della fotografia

Nel 19° secolo, Joseph Niepce inventò un metodo di fotografia, che chiamò heliogravure. Le riprese con questo metodo si sono svolte in pieno sole e sono durate fino a 8 ore. La sua essenza era la seguente:

È stata presa una lastra di metallo, che è stata ricoperta di vernice bituminosa.

La lastra è stata esposta direttamente alla luce intensa, che non ha sciolto la vernice. Ma questo processo era eterogeneo e dipendeva dalla forza dell'illuminazione in ciascuna delle sezioni.

Poi avvelenato con acido.

Come risultato di tutte le manipolazioni, sul piatto è apparsa un'immagine in rilievo e incisa. La fase successiva significativa nello sviluppo della fotografia fu il dagherrotipo. Il metodo prende il nome dal nome del suo inventore, Louis Jacques Mande Daguerre, che riuscì a ottenere un'immagine su una lastra d'argento trattata con vapori di iodio.

Il metodo successivo era il calotipo, inventato da Henry Talbot. Il vantaggio del metodo era la possibilità di realizzare copie di un'immagine, che a sua volta veniva riprodotta su carta impregnata di sale d'argento.

La prima conoscenza dell'arte della fotografia in Russia

La storia della fotografia russa va avanti da più di un secolo e mezzo. E questa storia è piena di eventi diversi e fatti interessanti. Grazie alle persone che hanno scoperto l'arte della fotografia per il nostro paese, possiamo vedere la Russia attraverso il prisma del tempo com'era molti anni fa.

La storia della fotografia in Russia inizia nel 1839. Fu allora che un membro dell'Accademia delle scienze della Russia, I. Hamel, si recò in Gran Bretagna, dove conobbe il metodo del calotipo, dopo averlo studiato in dettaglio. Poi ha inviato descrizione dettagliata. Sono state così ottenute le prime fotografie realizzate con il metodo del calotipo, che sono ancora conservate all'Accademia delle Scienze per un totale di 12 pezzi. Le fotografie portano la firma dell'inventore del metodo, Talbot.

Successivamente, Hamel incontra Daguerre in Francia, sotto la cui guida scatta diverse foto con le proprie mani. Nel settembre 1841, l'Accademia delle Scienze ricevette una lettera da Hamel, in cui, secondo lui, c'era la prima fotografia scattata dalla natura. Una fotografia scattata a Parigi mostra una figura femminile.

Successivamente, la fotografia in Russia ha iniziato a guadagnare slancio, sviluppandosi rapidamente. Tra il XIX e il XX secolo iniziarono a farlo i fotografi russi diritti generali prendere parte a mostre fotografiche e saloni di classe internazionale, dove hanno ricevuto prestigiosi premi e riconoscimenti, hanno fatto parte delle comunità pertinenti.

Alla maniera di Talbot

La storia della fotografia in Russia è stata sviluppata grazie a persone fortemente interessate a un nuovo tipo di arte. Così era Julius Fedorovich Fritzsche, un famoso botanico e chimico russo. Fu il primo a padroneggiare il metodo Talbot, che consisteva nell'ottenere un negativo su carta fotosensibile e poi stamparlo su un foglio trattato con sali d'argento e svilupparlo alla luce del sole.

Fritzsche scattò le prime fotografie calotipiche delle foglie delle piante, dopodiché apparve davanti all'Accademia delle scienze di San Pietroburgo nel maggio 1839 con un rapporto. In esso, ha riferito di aver trovato il metodo del calotipo adatto per catturare oggetti piatti. Ad esempio, il metodo è adatto per scattare fotografie di piante originali con la precisione richiesta da un botanico.

Contributo di J. Fritzsche

Grazie a Fritzsche, la storia della fotografia in Russia ha fatto un passo avanti: ha proposto di sostituire l'iposolfato di sodio, che Talbot ha utilizzato per sviluppare l'immagine, con l'ammoniaca, che ha notevolmente modernizzato il calotipo, migliorando la qualità dell'immagine. Julius Fedorovich è stato anche il primo nel paese e uno dei primi al mondo a condurre lavori di ricerca sulla fotografia e sull'arte fotografica.

Alexey Grekov e lo "stand d'arte"

La storia della fotografia in Russia è continuata e il successivo contributo al suo sviluppo è stato dato da Alexei Grekov. Inventore e incisore moscovita, fu il primo maestro della fotografia russo a padroneggiare sia la calotipia che il dagherrotipo. E se fai una domanda su quali fossero le prime macchine fotografiche in Russia, allora è l'invenzione di Grekov, la "stanza dell'arte", che può essere considerata tale.

La prima fotocamera, da lui creata nel 1840, ha permesso di scattare fotografie di ritratti di alta qualità con una buona nitidezza, cosa che molti fotografi che hanno cercato di ottenere questo risultato non potevano. Grekov ha inventato una sedia con speciali cuscinetti comodi che sostenevano la testa della persona fotografata, permettendogli di non stancarsi durante una lunga seduta e di mantenere una posizione immobile. E ci è voluto molto tempo prima che una persona rimanesse immobile su una sedia: 23 minuti sotto il sole splendente e in una giornata nuvolosa - tutti e 45.

Il maestro della fotografia Grekov è considerato il primo fotografo ritrattista in Russia. Per realizzare eccellenti fotografie di ritratto, fu aiutato anche dal dispositivo fotografico da lui inventato, costituito da una macchina fotografica di legno in cui la luce non penetrava. Ma allo stesso tempo, le scatole potrebbero scivolare l'una dall'altra e tornare al loro posto. A scatola esterna sulla parte anteriore ha attaccato una lente, che era una lente. La scatola interna conteneva una lastra fotosensibile. Modificando la distanza tra le scatole, cioè spostandole l'una dall'altra o viceversa, è stato possibile ottenere la necessaria nitidezza dell'immagine.

Contributo di Sergey Levitsky

La persona successiva, grazie alla quale la storia della fotografia in Russia ha continuato a svilupparsi rapidamente, è stata Sergei Levitsky. I dagherrotipi di Pyatigorsk e Kislovodsk, realizzati da lui nel Caucaso, sono apparsi nella storia della fotografia russa. Anche una medaglia d'oro esibizione artistica, tenutasi a Parigi, dove ha inviato le foto per partecipare al concorso.

Sergey Levitsky era in prima linea tra i fotografi che hanno suggerito di cambiare lo sfondo decorativo per le riprese. Hanno anche deciso di ritoccare fotografie di ritratti e i loro negativi per ridurre o rimuovere completamente eventuali difetti tecnici.

Levitsky parte per l'Italia nel 1845, decidendo di migliorare il livello di conoscenza e abilità nel campo del dagherrotipo. Scatta foto di Roma, così come ritratti di artisti russi che vi abitavano. E nel 1847 escogita un apparato fotografico con pelliccia pieghevole, utilizzando per questo la pelliccia della fisarmonica. L'innovazione ha permesso alla fotocamera di diventare più mobile, il che si è ampiamente riflesso nell'espansione delle opportunità fotografiche.

Sergey Levitsky è già tornato in Russia fotografo professionale, aprendo il suo laboratorio di dagherrotipo "Light Painting" a San Pietroburgo. Con lei apre anche uno studio fotografico con una ricca collezione di ritratti fotografici di artisti, scrittori e personaggi pubblici russi. Non rinuncia a studiare l'arte della fotografia, continuando empiricamente studiare l'uso della luce elettrica e la sua combinazione con quella solare e il loro effetto sulle fotografie.

Traccia russa nella fotografia

Artisti, maestri della fotografia, inventori e scienziati russi hanno dato un grande contributo alla storia e allo sviluppo della fotografia. Quindi, tra i creatori di nuovi tipi di macchine fotografiche, sono noti cognomi russi come Sreznevsky, Ezuchevsky, Karpov, Kurdyumov.

Anche Dmitri Ivanovich Mendeleev ha preso parte attiva, affrontando i problemi teorici e pratici del fare fotografie. E insieme a Sreznevsky, erano all'origine della creazione del dipartimento fotografico nella Russian Technical Society.

I successi di Andrey Denyer, un brillante maestro della fotografia russa, che può essere messo sullo stesso livello di Levitsky, sono ampiamente noti. È stato il creatore del primo album fotografico con ritratti di famosi scienziati, medici, viaggiatori, scrittori, artisti. E il fotografo A. Karelin divenne noto in tutta Europa ed entrò nella storia della fotografia come fondatore del genere della fotografia quotidiana.

Sviluppo della fotografia in Russia

L'interesse per la fotografia alla fine del XIX secolo aumentò non solo tra gli specialisti, ma anche tra la popolazione comune. E nel 1887 fu pubblicato il "Photographic Herald", una rivista che raccoglieva informazioni su ricette, composti chimici, metodi di elaborazione delle foto, dati teorici.

Ma prima della rivoluzione in Russia, l'opportunità di dedicarsi alla fotografia artistica era disponibile solo per un piccolo numero di persone, poiché quasi nessuno degli inventori della fotocamera aveva l'opportunità di produrli su scala industriale.

Nel 1919 V. I. Lenin emanò un decreto sul trasferimento dell'industria fotografica sotto il controllo del Commissariato popolare per l'istruzione e nel 1929 iniziò la creazione di materiale fotografico sensibile alla luce, che in seguito divenne disponibile a tutti. E già nel 1931 apparve la prima macchina fotografica domestica "Photokor".

Il ruolo di maestri, fotografi, inventori russi nello sviluppo dell'arte fotografica è eccezionale e occupa un posto degno nella storia mondiale della fotografia.