L'esposizione come principio dell'organizzazione di una mostra d'arte. Voloshin Maximilian Alexandrovich

Il visitatore della mostra all'ingresso è accolto dal vuoto

OSTAGGI DEL VUOTO ARTISTICO

La Galleria Statale Tretyakov (TG) su Krymsky Val.

Indirizzo: Russia, Mosca, Krymsky Val st., 10, padiglioni n. 39-42

Testo, foto: Vladimir Chernomashentsev, HalloArt.ru

Il 23 settembre 2011 la mostra “Ostaggi del Vuoto. Estetica dello spazio vuoto e "canone vuoto" nell'arte russa del XIX-XXI secolo. Dato il profilo della Galleria Tretyakov come museo di belle arti russe classiche e contemporanee (nel senso più ampio del termine), va riconosciuto che un nome così conservatore è stato scelto bene. Un normale spettatore della Galleria Tretyakov vedrà in essa un significato classico, senza sospettare che la parte principale dell'esposizione sia costituita da quella direzione dell'arte moderna moderna, che in Occidente è solitamente chiamata il termine Arte Contemporanea. Negli anni 80-90 del XX secolo, l'arte contemporanea è stata tradotta in russo come "arte contemporanea", ora si chiama "arte contemporanea" o, con un certo disprezzo, "sovrisk". Gli aderenti a questa tendenza usano questo termine per ridurre artificialmente la ricchezza di tutta l'arte moderna a un "sovrisk".

Nel 2011, la Galleria Tretyakov, alla ricerca della modernità, ha organizzato diverse mostre contemporanee. I giovani curatori Kirill Svetlyakov e Kirill Alekseev hanno creato due progetti che non hanno ricevuto riconoscimenti dal pubblico. Molti esperti del mercato dell'arte hanno annotato un paio di fallimenti sul conto della Galleria Tretyakov, che a volte cerca di fare qualcosa che ovviamente non è affar suo. Ad esempio, Anna Tolstova, un'osservatrice d'arte per il quotidiano KOMMERSANT, ha descritto il lavoro dei curatori come segue: "... Kirill Svetlyakov e Kirill Alekseev, che hanno già mostrato diversi progetti incomprensibili all'interno delle mura di Tretyakov ..." (fonte : quotidiano Kommersant, n. 133 (4674) del 22/07/2011).

Sono d'accordo con l'opinione del giornale. Cercherò comunque di utilizzare il più possibile nella mia recensione le parole dei curatori della mostra, da loro espresse in conferenza stampa. I curatori hanno parlato in modo così corretto da non lasciare il minimo argomento a critiche esterne, come quella vedova di sottufficiale descritta dal classico della letteratura russa .... Ricordo tre punti chiave. Bene, lascia che il quarto sia il nome stesso del progetto.

DAL MONDO CON UNA CORDA...

E ora, nell'ambito della 4a Biennale di arte contemporanea di Mosca, la Galleria Tretyakov ha allestito frettolosamente un'esposizione sotto un nome solido e promettente. Raccolti così rapidamente e in modo poco professionale che il pubblico non ha potuto trovare in esposizione circa cinque opere dichiarate nel catalogo della mostra. Con una rara eccezione nella forma di una cosa di Rene Magritte, i dipinti che non sono arrivati ​​alla mostra difficilmente possono essere classificati come grandi capolavori difficili e costosi da portare. Davvero, la mostra è all'altezza del suo nome vuoto! Non c'è da stupirsi che non abbia trovato un titolo migliore per l'articolo, come ripetere quasi alla lettera questa frase. Al mio posto, qualsiasi recensore non potrà che rallegrarsi per un'espressione così riuscita, che gli organizzatori della mostra hanno volontariamente messo nelle mani dei loro critici come una potente arma linguistica. I curatori della mostra e molti degli artisti in essa rappresentati sono i veri ostaggi del vuoto artistico dell'arte contemporanea.

Rischierei di scoprire ancora una volta l'America, iniziando il racconto della mostra con le classiche accuse di un approccio primitivo al termine "vuoto". Non è necessario avere sette campate sulla fronte per comprendere la completa irrilevanza di un'idea del genere che qualsiasi ampio spazio raffigurato dall'artista su tela si chiami il Vuoto. Seguendo un approccio così diretto, qualsiasi natura morta russa raffigurante le vaste distese del nostro paese, secondo i curatori, può essere attratta dal tema della mostra. Ma "Clouds" di Fyodor Vasiliev", un eccellente dipinto di K. Rozhdestvensky "Family in the Field", o "Collective Farm Night" di S. Luchishkin possono essere definiti vuoti?! Le tele raffigurano molte cose: natura, figure umane, azioni ed emozioni. Nella foto di S. Luchishkin, se guardi da vicino, puoi trovare diciotto contadini collettivi che dormono pacificamente in un enorme pagliaio. Domani avranno un nuovo giorno lavorativo. Ed è improbabile che si pongano il problema del vuoto nelle loro anime, impegnate nel duro lavoro contadino.

È possibile che nell'enorme collezione della Galleria Tretyakov i curatori non siano riusciti a trovare abbastanza dipinti che si trovino davvero in quello stato emotivo che sarebbe associato al vuoto dell'anima umana o alla paura degli spazi abbandonati? Sorprendentemente... Direttamente, posso offrire molti lavori che soddisfano questo requisito. Ad esempio, andranno bene alcune opere del mio artista preferito Boris Kocheyshvili, le cui opere sono nella collezione della Galleria Tretyakov.

I curatori della mostra hanno detto molto

QUESTO È IL CURATORE CHE HA DETTO... CONTRO #1

I curatori hanno completato con successo un solo lavoro: hanno tolto alla critica quasi tutti i possibili argomenti "contro". Alla conferenza stampa dedicato all'inaugurazione mostre, e Kirill Svetlyakov e Kirill Alekseev si sono permessi di esprimere strani slogan all'inizio. Non avevo altra scelta che scrivere queste frasi e usarle nella mia recensione. Come si suol dire, non sottrarre, non aggiungere ...

Ad esempio, uno di loro ha ammesso che non sarebbe interessante mostrare esclusivamente arte contemporanea della fine del XX secolo - inizio del XXI secolo. Chi avrebbe dubitato... La tecnica, quando un buon dipinto classico fa emergere il vuoto artistico della mostra principale, è tutt'altro che nuova. Con la loro fama universalmente riconosciuta, i capolavori eleveranno l'immagine della massa grigia che si trova nel quartiere. Uno o due capolavori in mostra possono far rimpiangere al pubblico di aver visitato il museo.

Ma, d'altra parte, le opere strettamente cucite di artisti del secondo scaglione (XIX secolo - prima metà del XX secolo) sottolineano solo il vuoto artistico degli attuali classici del nostro tempo. Supponiamo che, attratto da tali dipinti, lo spettatore arrivi alla mostra. Ma lo stesso spettatore sarà in grado di apprezzare i fogli vuoti, le tele non scritte ei progetti non realizzati di cui i giovani curatori ci riempiono ancora una volta? O non vedono le molteplici ripetizioni mutuate dai fondatori del concettualismo?

ARGOMENTO "CONTRO" №2

Come si è scoperto, i curatori vedono tutto... Inoltre, nel corso dei discorsi, ho avuto l'impressione che il secondo curatore stesse leggendo i miei pensieri. Ha parlato del vuoto osservato nell'arte contemporanea, che costringe a riscrivere, stravolgere la storia dell'arte più e più volte. Chi non sarebbe d'accordo con una simile critica all'attuale tendenza dell'arte contemporanea?!

Lo spettatore con esperienza è già stanco di vedere come, 50-100 anni dopo Malevich ei suoi contemporanei, i giovani apologeti del "sovrisk" per la milionesima volta "reinventano la ruota" sotto forma di quadrati neri, bianchi o colorati. Anche questa mostra non poteva farne a meno: si contano decine, se non centinaia, di piazze, piazzette e piazze enormi. Anche i fogli bianchi di carta grigia di Ilya Kabakov sono stati inventati molto tempo fa. E ognuno di noi può contare un numero incalcolabile di progetti non realizzati nella propria vita. Ma non trasciniamo la nostra spazzatura ideologica nelle pareti della Galleria Tretyakov, come ha fatto Monastyrsky, un membro del gruppo Azioni collettive.

Si vede chiaramente che la stagnazione idee originali osservato proprio tra quegli artisti contemporanei che si prendono costantemente il merito della priorità di un'idea nuda rispetto al processo della sua esecuzione su tela, marmo o altro materiale. Ma è nell'attività di inventare nuove idee che c'è un vuoto completo. Con un piccolo scavo nei vecchi album d'arte, puoi facilmente trovare il primissimo scopritore e, inoltre, gli ospiti dei suoi seguaci, che da tempo sono diventati famosi e sono morti per la gloria dell'arte contemporanea. Sotto l'ossessivo clamore dei media, lo spettatore sta cercando di far scivolare l'arte che è tutt'altro che moderna. Molti campioni di vera arte contemporanea hanno un cattivo odore, la vernice non ha ancora avuto il tempo di asciugarsi, perché non sono nemmeno il secondo, ma il quinto o decimo prodotto di freschezza.

Come puoi vedere, la mia opinione per la seconda volta coincide completamente con l'opinione degli organizzatori della mostra.

Il curatore della mostra Kirill Alekseev conduce un tour per i giornalisti

ARGOMENTO "CONTRO" №3

E per la terza volta, il curatore Kirill Alekseev mi ha colpito con il suo buon senso quando ha iniziato a sostenere che la vera arte non richiede spiegazioni e guide. Secondo lui, una buona esposizione dovrebbe essere costruita in modo tale che lo spettatore stesso capisca tutto ciò che l'artista o l'organizzatore della mostra vuole dire. Tuttavia, subito dopo la conferenza stampa, i curatori della Galleria Tretyakov hanno organizzato insieme un tour dettagliato della mostra. I giornalisti sono stati guidati dall'inizio alla fine delle sale del museo. Puntando il dito contro l'una o l'altra mostra, i curatori hanno masticato attentamente il significato del vuoto, che, a loro avviso, questo o quell'artista contemporaneo voleva dimostrare. A poco a poco, Kirill Alekseev ha preso completamente l'iniziativa, confutando di fatto le sue stesse parole. La guida turistica si è rivelata abbastanza buona, credo.

Dopo il primo flusso di turisti-giornalisti, è stato possibile osservare il secondo flusso di spettatori, questa volta composto da ospiti del vernissage. In sostanza, le persone seguivano il curatore in un gruppo serrato, ascoltando attentamente ciò che avrebbero dovuto capire senza parole. O non capiscono il linguaggio dell'arte? Presumo che le cose stiano così. L'arte contemporanea si è trasformata da tempo in un'occasione comoda e prestigiosa per un altro ritrovo mondano. Insieme a personaggi famosi nel campo delle belle arti: la mostra è stata visitata, come sempre, dall'elegante direttrice del MAMM / MDF Olga Sviblova e dal commissario della Biennale di Mosca Iosif Bakshtein - è improbabile che la maggior parte degli ospiti invitati possa capire la differenza tra il quadrato nero di Malevich e il quadrato nero artista contemporaneo, il cui nome difficilmente rimarrà negli annali della storia dell'arte.

Secondo gli spettatori, l '"installazione" di una scala vuota con una scala a pioli non è peggiore di una buona metà dei reperti

CREARE NUOVA ARTE

Come di solito accade in tali eventi, dopo aver visto abbastanza arte contemporanea, molti spettatori hanno iniziato a guardare con sospetto le sedie dei custodi, gli armadietti dei vigili del fuoco e altri. elementi tecnici edificio. Lungi dall'essere il primo ad accorgersi che la scala bianca vuota che conduce al piano successivo si è rivelata più apprezzata dal pubblico di alcune opere d'arte contemporanea. Il design minimalista, semplice ma non privo di eleganza architettonica, è stato casualmente impreziosito da una grande scala a pioli che gli operai avevano lasciato sul pianerottolo. La struttura solitaria in alluminio, in cui non c'era un solo grammo di superfluo, superficiale, si inserisce perfettamente nel concetto del Vuoto. Davanti ai miei occhi, diverse persone si sono avvicinate alle scale, hanno guardato il panorama per un minuto o due e hanno iniziato a scattare foto. Resta da portare la situazione alla sua logica conclusione: seguendo rigorosamente lo spirito e la lettera dell'arte contemporanea, aggiungi una nuova mostra, che ha richiesto diversi secondi. Non è un segreto che oggi qualsiasi oggetto può trasformarsi in oggetto d'arte se appendi accanto ad esso un cartello indicante l'autore, il titolo dell'opera e lo collochi nello spazio espositivo. E ora puoi già vedere come un nuovo spettatore inizia a fotografare non solo l'installazione, ma anche il tablet ad essa allegato, scritto a mano da un curatore sconosciuto.

Creare un oggetto d'arte contemporanea è cosa semplice

Mi chiedo da quanto tempo è stata realizzata un'installazione senza nome di autore ignoto? Sarà un peccato se non per molto. Del resto non è peggio di una buona metà del corredo proposto dai curatori. Sfortunatamente, il tentativo di salvare un altro progetto della Galleria Tretyakov, che strizzava l'occhio alle belle arti classiche, fallì. Una percentuale troppo piccola di opere meritevoli è stata più che coperta da dipinti, installazioni, oggetti mediocri e profondamente secondari. Tutto è relativo. Grazie alla nuova mostra, per amore della quale la mostra permanente del dipartimento delle ultime tendenze è stata temporaneamente smantellata, ho iniziato ad apprezzare di più ciò che prima era in queste sale. Un altro progetto "danese", eseguito in modo mediocre dagli ostaggi del vuoto artistico per la Biennale di Mosca, ha dimostrato che il vero vuoto non ha una profondità finita. La mediocrità umana è infinita.

Sergej Mironenko. Non ho niente da dire nel linguaggio dell'arte. Dittico, 1990. Tela, tessuto fotografico, acrilico, stampa in bianco e nero, GTG

Il dipinto di Sergei Mironenko "Non ho niente da dire nel linguaggio dell'arte" è alla fine della mostra. Tuttavia, è una sorta di filo conduttore dell'intera mostra. Il tempo dirà quanto nuovo progetto La Galleria Tretyakov interesserà gli spettatori. Ma già ora sono pronto a sostenere che la mostra non sarà in grado di attirare un numero significativo di visitatori. Segui le statistiche sul sito HalloArt.ru.

PRATICA E TEORIA DELLA DECORAZIONE DELLO SPAZIO ESPOSITIVO

Esercizio. Sviluppo progetto espositivo.

Trova un tema per la mostra da sviluppare nel materiale. Gli argomenti possono essere qualsiasi cosa, puoi fare affidamento sul tuo abstract. Il punto è fissare un obiettivo: il lavoro culturale ed educativo con la popolazione. Ad esempio, la cultura e le tradizioni della regione di Voronezh. Compiti: conoscere la cultura della vita, gli utensili, la vita di tutti i giorni. 2 soggetti DPI, 3. rituali.4. Abito Voronez.

Cosa è incluso nel tuo progetto:

1. Descrizione sotto forma di presentazione (tema, obiettivi, obiettivi, target di riferimento, modo di muoversi all'interno della mostra - leggi una conferenza a tutti su questo sotto !!), con una foto, i nomi delle opere principali (secondo il tuo argomento, puoi utilizzare foto delle opere di artisti, scultori, ecc.)

parte 2 pratica- sotto forma di schizzi (è gradito sia a mano libera con la tecnica della rondella, sia in computer grafica). Formato A3 per ogni angolo o FA2 per due alla volta. – Tipi: 1. esterno, 2. vista dall'alto - ovvero una pianta dello spazio espositivo, 3. sale principali, pianta pensile - o realizzare l'intera 2a parte sotto forma di un progetto tridimensionale utilizzando carta-plastica (non più grande del formato A3 ).

Sviluppa uno schizzo di un poster per la tua mostra F A4 (qualsiasi materiale), opuscoli o volantini.

Esempi: progetti studenteschi – http://freelance-nsk.ru/user/inspirace/18141/

http://archvuz.ru/2011_4/17, http://www.archiconcurs.ru/concurs/item-561/

Progetto video spazio espositivo per BEELINE

http://video.yandex.ru/users/fluxe85/view/3/

PIANO DELLE LEZIONI.

1. Organizzazione e progettazione di mostre

2. Storia delle mostre

3. L'esposizione come principio organizzativo esibizione artistica

Posizionamento dell'esposizione: selezione del colore, schizzi della composizione, sospensione, etichettatura, poster

Partecipazione dei bambini alla preparazione della mostra museale.

7. Progetti espositivi commerciali: design, attirare l'attenzione, composizione

8. Riferimenti

9. Foto di gallerie d'arte contemporanea nel mondo

Organizzazione e progettazione di mostre

Nelle condizioni della cultura moderna, c'è un inesorabile interesse pubblico per una mostra d'arte come forma di scambio culturale internazionale, familiarizzazione con valori umanitari duraturi, incontro con capolavori riconosciuti dell'arte mondiale o esperimenti creativi di maestri alle prime armi. Una mostra d'arte è uno degli elementi più importanti della direzione umanitaria, che sta diventando sempre più rilevante nella vita della società moderna. "civiltà del tempo libero". Le mostre sono una risorsa efficace per l'organizzazione e lo svolgimento di eventi socio-culturali e ricerca di marketing, Perché forniscono alle organizzazioni interessate ampie informazioni sull'applicazione.

Esistono diverse definizioni mutuamente complementari espresse da varie fonti:

1. Esposizione- questa è una dimostrazione pubblica di risultati nel campo dell'economia, della scienza, della tecnologia, della cultura, dell'arte e di altri campi vita pubblica. Il concetto può denotare sia l'evento stesso che la sede di questo evento.

2. Esposizioneè una forma specifica comunicazione di marketing(pubblicità e PR, promozione delle vendite), in cui, in un'area attrezzata relativamente piccola, vengono mostrati campioni di nuovi prodotti per la vendita o vengono offerti servizi ai fini della loro successiva vendita.

Dal punto di vista organizzativo, la mostra è un evento programmato specifico con un tempo limitato, tenuto in un luogo preannunciato e preparato, con una certa frequenza di svolgimento. Diversi sono i portatori di interessi coinvolti nell'evento:

Espositori - produttori (fornitori) che presentano il loro prodotto a vari tipi stand;

Visitatori - potenziali consumatori (acquirenti) del tipo di prodotto presentato;

Organizzatori della mostra ( entità, autorità o organizzazione pubblica, di regola, supervisionando questo tipo di attività della filiale);

Operatore fieristico (organizzatore - una persona giuridica che fornisce servizi per la preparazione e lo svolgimento di questa mostra, per la quale questo tipo di attività è un'attività commerciale).

Le mostre sono classificate:

Per copertura dei partecipanti:

Locale,

nazionale,

internazionale,

Mondo (universale, che copre tutti i rami dell'attività umana e specializzato, dedicato a una sola area dell'attività umana).

Per copertura delle aree di attività umana:

Generale;

Industria.

Per settore:

Artistico;

Educazione pubblica;

Industriale;

Agricola.

Per durata:

Periodico (temporaneo);

Permanente;

Una tantum (correlato a un evento specifico).

Mostre d'arte - mostre pubbliche di opere di belle arti e arti grafiche, in particolare sculture e dipinti, disegni, acquarelli, incisioni su rame, acciaio e legno, ecc. Ud. le mostre sono organizzate periodicamente da accademie d'arte, scuole di disegno, società di artisti, le cosiddette "mostre permanenti" servono principalmente agli scopi dell'industria artistica. Tutte le mostre d'arte hanno lo scopo di mediare tra l'artista e il pubblico, rappresentando i mercati in cui si determina il rapporto tra domanda e offerta nel campo delle belle arti. Le mostre organizzate dalle accademie e dalle società di artisti perseguono anche un altro obiettivo più alto: chiarire le tendenze speciali che si sviluppano nelle belle arti e nei gusti del pubblico, e quindi rispondere sia al pubblico che agli artisti stessi.

Una mostra, come un museo, implica l'esposizione, il distacco, il superamento della percezione abituale, l'essenza quotidiana delle cose, l'acquisizione di un nuovo punto di vista sull'argomento, i suoi significati culturali e il suo posto nell'immagine del mondo. L'oggetto dell'attenzione museale viene rimosso da un contesto e trasferito in un altro. L'esposizione nel museo e nello spazio espositivo funziona come una sorta di

cornice (cornice, bordo) che definisce lo spazio di un'opera d'arte. Descrivendo il significato della cornice nella composizione di un testo letterario, Yu.M. Lotman scrive: “Una cornice in un quadro, una rampa in un teatro, l'inizio o la fine di un'opera letteraria o musicale

il suo spazio - tutte queste sono forme diverse della regolarità generale dell'arte: l'opera è il modello finale del mondo infinito.

Storia della mostra

La storia della mostra d'arte ha una lunga storia di esistenza e di sviluppo e trae origine da collezioni possedute da persone dotate di potere sia secolare che spirituale, o con significative in contanti. Nell'antichità e nel Medioevo del X secolo non esistevano mostre nel loro significato moderno. Per la prima volta un piccolo gruppo di artisti organizzò una mostra delle loro opere a Parigi nel 1648. Questa mostra subì ogni tipo di persecuzione; agli artisti era proibito esporre quadri in vendita e le opere di alcuni di loro furono addirittura confiscate. Nello stesso anno il governo approva l'Accademia di pittura e scultura e vieta di "ostacolarla in qualsiasi modo". La lotta tra l'Accademia, che disponeva di scarsissimi fondi, e le ricche botteghe artigiane continuò però fino al 1653, finché Lebrun riuscì a porre l'Accademia sotto il patrocinio di Mazzarino, e poi dello stesso re, che ne approvò lo statuto e nominò pensioni agli artisti. Da quel momento iniziano X. mostre di accademici, che sono obbligati a esporre i loro quadri ogni anno pena l'espulsione dall'Accademia.

Le mostre moderne provengono dai musei francesi, i cui fondatori sono i cardinali francesi Mazzarino e Colbert. La Società delle Arti, fondata nel 1754 con lo scopo di incoraggiare le arti, i mestieri e il commercio, ha svolto un ruolo importante nell'organizzazione della mostra. Il compito era davvero grandioso: riunire sotto lo stesso tetto i prodotti dell'industria e dell'arte di diversi paesi e popoli. Per realizzare un tale compito era necessario uno spazio senza precedenti, che è diventato esso stesso una delle principali attrazioni della mostra. Gli inglesi quasi istantaneamente - in soli sei mesi (e secondo alcune fonti - in 17 settimane) - crearono nel centro di Londra, ad Hyde Park, il famoso "Crystal Palace", divenuto famoso ben oltre l'Inghilterra.

La commissione per la costruzione della mostra è stata presentata con 245 dei più diversi progetti del futuro edificio. Ma sia gli artisti stessi che il pubblico sentivano l'inadeguatezza delle forme e dei materiali tradizionali per risolvere un compito completamente nuovo. E poi Joseph Paxton si fece avanti, proponendo un'architettura di ferro e vetro. Tutti erano sbalorditi e gli architetti d'Europa erano semplicemente indignati per il fatto che questo sfacciato Paxton - non un architetto o un artista, ma un normale giardiniere - invece di un maestoso palazzo avrebbe costruito "una specie di tappo di vetro", "serra" . .. Questo non può essere permesso a qualche ignorante, quando c'è vera arte e veri maestri. L'edificio, nato come padiglione espositivo, era un enorme edificio a tre navate a gradoni, costituito da un'intelaiatura in ferro traforato riempita di vetro. L'intero edificio è lungo 564 metri e largo 125 metri, con una superficie coperta di 100.000 mq. È improbabile che altri paesi possano permetterselo. Anche a Parigi, molto probabilmente l'intera mostra sarebbe stata ospitata in una sorta di edificio in pietra, il che significa che sarebbe stato di dimensioni molto contenute, non corrispondente alla grandiosità dell'evento pianificato. Inoltre, l'architettura fondamentalmente nuova, lo stile "vetro e metallo", nato durante la costruzione del Crystal Palace, era organicamente inaccettabile per le scuole di architettura e arte di altri paesi.

In effetti, il Crystal Palace ricordava molto una serra. Avendo esperienza nella creazione di enormi serre per palme d'oltremare, D. Paxton ha ideato un semplice e soluzione originale e ha introdotto coraggiosamente metallo e vetro nella costruzione del Crystal Palace, aumentando i telai delle finestre a dimensioni senza precedenti. Già allora erano noti esempi di utilizzo di strutture metalliche e rivestimenti con riempimento in vetro. Ma perché l'intera facciata di un enorme edificio pubblico fosse di vetro, questo è stato fatto per la prima volta!

Fortunatamente, il nuovo edificio fu eretto esattamente come intendeva il “giardiniere ignorante” e il pubblico lo accettò con entusiasmo. Incarnava semplicemente il desiderio degli abitanti della nebbiosa Albione per la luce, perché l'intera struttura, il suo intero interno infinito era permeato di flussi di luce solare.

Il Crystal Palace è stato uno dei primi edifici in cui sono stati adottati gli ormai comuni elementi unificati: l'intero edificio era costituito da celle identiche assemblate da 3.300 colonne di ghisa dello stesso spessore, 300.000 lastre di vetro identiche, lo stesso tipo di infissi in legno e travi metalliche. Elementi prefabbricati dimensioni standard sono stati realizzati nella quantità richiesta in anticipo, in modo che non restasse che montarli in cantiere.

Fu qui che nell'architettura espositiva si verificò il passaggio dal pittoresco e dalla decorazione all'ingegneria, che divenne la tendenza principale nello sviluppo dell'architettura del XX secolo. Nella progettazione del palazzo è stato utilizzato il principio di un telaio metallico: pilastri e telai in ferro con riempimento in vetro, un modulo di pilastri portanti di 24 piedi (circa 720 cm), installazione di blocchi prefabbricati.

Il palazzo divenne un edificio epocale, anticipando nuovi metodi di costruzione. Il palazzo non aveva partizioni interne e il suo interno era un'enorme sala. L'architetto è stato molto attento agli alberi di Hyde Park, a cui il Parlamento aveva proibito di tagliare: olmi di duecento anni si sono rivelati semplicemente coperti dall'edificio del palazzo. Il famoso filosofo, storico e scrittore russo A.S. Khomyakov, che ha visitato la mostra, ha scritto al riguardo: "Ciò che si sta costruendo deve avere rispetto per ciò che è cresciuto". I contemporanei consideravano il Crystal Palace una meraviglia dell'arte architettonica di quel tempo. Più tardi, il grande L. Corbusier scrisse: "Non riuscivo a staccare gli occhi da questa trionfante armonia".

V.V. Stasov, un grande critico russo, ha riconosciuto l'Inghilterra, che è stata considerata un "paese classico dell'antiartismo", come un pioniere di un nuovo movimento, vedendo nel Crystal Palace un prototipo dell'architettura del futuro, un nuovo meraviglia del mondo che eclissava “le tristi piramidi dei morti egizi e i colossei dei romani. Il gigante londinese, costruito per riunirvi tutti i popoli del mondo, per vedere tutto ciò che l'umanità ha creato grande, brillante, in tutte le sue estremità sparse. Un grande traguardo ha dato vita ad una grande opera.

Dalla seconda metà del XIX secolo iniziò a cambiare condizioni economiche, livello tecnico e potenziale, ma il background estetico dell'epoca è cambiato lentamente, quasi impercettibilmente. Le norme estetiche del classicismo erano già state completamente distrutte. L'interno, unito da un unico stile di cultura, non esisteva più. IN esposizioni espositive, come in uno specchio, si rifletteva tutta la diversità dell'architettura europea e in tutto l'eclettismo sfrenato.

A partire dal "Crystal Palace", tutti i padiglioni espositivi di ulteriori mostre hanno assunto l'aspetto di "palazzi". Si chiamavano "Palazzo" agricoltura”, “Palazzo dell'elettricità”, ecc., Palazzi di ogni genere, di tutte le epoche, di qualsiasi materiale: dal metallo e dal vetro ai cereali e alle verdure.

Le prime mostre di mostre industriali erano uno spettacolo curioso. Gli ingegneri, creando modelli espositivi sperimentali di locomotive a vapore, caldaie locomobili, pompe e falciatrici, cercarono di dare loro certe forme architettoniche in stile barocco, gotico, progettate per altre funzioni e sorte in tempi completamente diversi, erano abbondantemente ricoperte di ornamenti da fusione, goffratura, ecc. .d.

L'arte dell'esposizione è stata migliorata di mostra in mostra. A poco a poco si stanno formando i requisiti fondamentali per il padiglione espositivo, per l'esposizione dei prodotti.

Alla fine del secolo, lo stile Art Nouveau ha avuto una grande influenza sulle mostre, spiazzando la trascuratezza dell'eclettismo con il suo razionalismo. L'influenza dell'Art Nouveau divenne evidente all'Esposizione di Parigi del 1900. Nel settore dell'intrattenimento espositivo, "palazzi ottici" con labirinti di specchi (trasformati poi in stanze della risata), mareorami raffiguranti viaggio intorno al mondo- (panorama in movimento), messa in scena con comparse in costumi nazionali di diversi paesi, globi di Galeron (un gigantesco modello rotante del cielo con una lanterna-stereoscopio magica). Allo show di Chicago, una folla immensa osserva palline di celluloide miracolosamente sospese nell'aria (sostenuta da un getto d'aria dei freni ad aria compressa Westinghouse), una fontana di grano azionata da un motore elettrico, vediamo i primi esempi di display dinamico di un prodotto industriale. Il Crystal Palace di Joseph Paxton a Londra e la Torre Eiffel dell'ingegnere Alexander Gustave Eiffel a Parigi, costruita per l'Esposizione Mondiale del 1889 (alta 123 metri) sono diventati simboli delle esposizioni mondiali, simboli delle conquiste tecnologiche della fine del XIX - inizio XX secolo. L'industria fieristica ha ricevuto un ulteriore rapido sviluppo durante il 20° secolo, in accordo con lo sviluppo dell'industria, della scienza e della tecnologia.

Mareorama

L'emergere dell'istituzione del museo in Russia, come collezione d'arte in senso moderno, nella maggior parte dei casi risale alla fine del XIX e all'inizio del XX secolo. Fu durante questo periodo che furono organizzati i musei conosciuti oggi come la Galleria Statale Tretyakov, il Museo Statale di Belle Arti di Mosca, l'Ermitage Statale e il Museo Statale Russo di San Pietroburgo. Gli oggetti d'arte che compongono le collezioni di questi e altri musei attualizzano le loro qualità estetiche con l'aiuto del fenomeno espositivo, che si presenta davanti allo spettatore sotto forma di uno speciale spazio artistico che esiste secondo la sua organizzazione interna, soggetto all'influenza dell'ambiente architettonico specifico del museo, degli oggetti esposti, dei loro supporti e del design concettuale. http://dic.academic.ru/dic.nsf/brokgauz_efron/111257/%D0%A5%D1%83%D0%B4%D0%BE%D0%B6%D0%B5%D1%81%D1%82 %D0%B2%D0%B5%D0%BD%D0%BD%D1%8B%D0%B5

L'esposizione come principio dell'organizzazione di una mostra d'arte

Il fenomeno della mostra si manifesta in una certa forma di organizzazione, dovuta a determinati principi, il più significativo dei quali è considerato "esposizione", strettamente correlato alla visibilità, che consente di fissare la mostra come un evento. L'originalità e l'originalità dell'aspetto di numerose mostre di successo vari argomenti semplicemente contraddistinto da uno speciale aspetto visivo, una base concettuale chiaramente "leggibile", soluzioni espositive espressive. La naturale presenza nello spazio della mostra di tutte le sue componenti è determinata dal sistema dell'"ordine", inteso come sequenza di immagini artistiche attualizzate nell'esposizione, effettivamente percepite in un accostamento esplicabile. Questa sequenza fornisce una "lettura" del progetto concettuale, secondo la quale si svolge l'azione di "esposizione" come principio organizzatore. Alcuni ricercatori (T.P. Kalugina) interpretano il principio di esposizione in relazione a tipi diversi organizzazione visiva e semantica della mostra come "raggruppamento di problemi", "fila accademica", "esposizione in primo piano".

COSÌ "gruppo problematico" ha luogo durante la creazione di mostre monografiche, quando l'opera di un famoso maestro riappare in una disposizione visiva tale da attirare l'attenzione su aspetti precedentemente sconosciuti nel considerare il suo linguaggio artistico. "Fila accademica" presenta un quadro cronologicamente coerente di qualsiasi lunga fase nello sviluppo dell'arte con un'ampia gamma di nomi che determinano la completezza del periodo rappresentato. "Mostra in primo piano" come speciale manifestazione del principio espositivo, è tipico dell'esposizione esclusiva di una singola opera d'arte nella sua unicità artistica. Da questi esempi di attuazione del principio espositivo si può vedere che in ogni caso l'ubicazione degli oggetti esposti è determinata come decisione compiti specifici e rispetto della struttura visiva della mostra.

Pertanto, sotto il concetto di "esposizione" si può considerare la collocazione di un oggetto esposto sul suo supporto (supporto, parete, piedistallo, in una vetrina) in una localizzazione spaziale tale da garantire la sua percezione con la manifestazione ottimale del suo artistico e qualità semantiche.

"Fila accademica"è un complesso espositivo, costituito da quasi tutti i tipi di belle arti conservati nella collezione del museo, e riflette un quadro olistico dello sviluppo dell'arte. Come forma espositiva, la “fila accademica” domina sulle altre due, determinando in gran parte l'unità stilistica dell'aspetto museale. La "fila accademica" è aggiornata nell'esistenza di un tale concetto museale come "mostra permanente". Migliorare la soluzione stilistica della mostra permanente non è solo un compito importante del periodo attuale, ma anche un fattore nella strategia museale a lungo termine. "Fila accademica" gravita verso la subordinazione e la coerenza con il carattere degli interni. L'utilizzo dell'infrastruttura espositiva in questo caso è minimo e spesso stand, vetrine, piedistalli trovano uniformità stilistica con la decorazione architettonica degli interni. Al suo interno, la "serie accademica" può essere differenziata per l'appartenenza a un particolare tipo di arte, ovvero, all'interno di un unico ambiente museale, possono coesistere più mostre permanenti in parallelo. Nel Museo di Stato russo questa è un'esposizione di arte popolare, nell'Ermitage di Stato ci sono esposizioni di arte primitiva, antica e decorativa e applicata, numismatica e arte d'Oriente; nel Museo Pushkin im. COME. Pushkin (Mosca) puoi vedere l'esposizione di calchi di sculture medievali e rinascimentali. In tutti i casi di cui sopra, le esposizioni "specie" completano quella storica e cronologica principale.
"Mostra in primo piano" mostra un'unica opera d'arte (prevalentemente pittorica), presentata con l'ausilio di un insieme di tecniche espositive, in una forma isolata accentuata. "Exhibit in focus" dimostra il principio dell'esposizione nella sua manifestazione più pronunciata e si incontra spesso nella pratica espositiva del Museo statale dell'Ermitage come "mostra di un dipinto". Si noti qui la presentazione degli aromi causati da fiori e frutti raffigurati in una delle mostre più famose dell'Ermitage: Suonatore di liuto di Caravaggio, Quadrato nero di Kazimir Malevich, Annunciazione di Jan van Eyck, Venere davanti a uno specchio di Tiziano.

"Gruppo problematico"è la forma più dinamica di presentazione del materiale artistico, che occupa uno spazio separato nell'ambiente museale e limitato da tempistiche. La sua esistenza nella pratica museale è associata al concetto di "mostra temporanea". Nella costruzione del raggio visivo della mostra, il “raggruppamento problematico” utilizza molto più spesso, accanto a quelli tradizionali, tecniche espositive d'avanguardia.

Il Fante di Quadri nella mostra Russian Avant-Garde ha creato l'immagine di una nuova arte russa, indissolubilmente legata alle radici estetiche nazionali, e allo stesso tempo, ripensando in modo nuovo le conquiste della pittura europea della fine del XIX secolo. Tali tecniche erano: organizzazione nelle sale del museo con l'ausilio di scudi posti in sporgenze di una superficie “rotta” per l'esposizione di dipinti; rifiuto dell'illuminazione dall'alto e uso di direzionale; inclusione nella gamma visiva della mostra di opere d'arte popolare come prototipi estetici.

Quando si creano mostre complesse con un gran numero di opere di vario tipo, progettate per rivelare un argomento "grande", ci sono casi in cui anche mostre selezionate "mirate" non trasmettono adeguatamente l'idea della mostra, per quanto alta sia la loro qualità artistica può essere. Tali mostre richiedono multidimensionalità semantica, irraggiungibile dalle possibilità espositive della "fila accademica" o della "mostra a fuoco".

Mostra “San Pietroburgo. Portrait of the City and Citizens” ha risolto il compito estremamente difficile di presentare un fenomeno culturale come “l'anima di San Pietroburgo”, associato al suo 300° anniversario. L'intero complesso della mostra è stato diviso in due parti: veduta ed evento. Il materiale espositivo della mostra era insolitamente eterogeneo e, con il suo linguaggio artistico, avrebbe dovuto creare una certa trama, rivelando concetti per sempre associati al nome della città come "notti bianche", "Venezia settentrionale", "Prospettiva Nevskij". , "culla della rivoluzione", "blocco", "capitale culturale" e altri. Ciascuno di questi concetti è stato presentato nella selezione delle mostre più caratteristiche relative al suo argomento. Questi concetti sotto forma di blocchi espositivi sono stati collocati in tutte le aree spaziali e tematiche della mostra, non avendo necessariamente un rigido “vincolo”. A livello semantico, tale esposizione incarnava visibilmente la connessione dei tempi dall'epoca di Pietro il Grande ai giorni nostri e permetteva di vedere in modo completamente nuovo sia l'incisione del primo Settecento con i primi piani urbanistici per San Pietroburgo e Leningrado nuovi edifici nell'interpretazione di artisti dello "stile severo" dei primi anni '60 realismo socialista ufficiale e underground informale. L '"anima di Pietroburgo" è nata come una grazia speciale, che scorre di secolo in secolo, evidente in ogni "tipo pietroburghese", da un venditore ambulante a un batterista del lavoro comunista, da un dignitario reale a un compositore moderno. L '"anima di San Pietroburgo" ha anche spiritualizzato il suo paesaggio, che fosse il maestoso panorama della Neva o la periferia attiva.

L'inclusione di una sequenza video nel raggio visivo della mostra è stata una tecnica espositiva che ha conferito alla mostra una qualità semantica "stereoscopica". Nella sezione "iconografica" è stato proiettato un video che mostra la città sotto forma di "Venezia del Nord", indissolubilmente legata all'elemento acqua. Il cinegiornale documentario è stato proiettato nella sezione dedicata al blocco di Leningrado. In entrambi i casi, la serie di video ha integrato e interagito con la serie visiva. Nel primo caso, i luoghi riconoscibili di San Pietroburgo in una interpretazione pittorica o grafica sulle pareti delle sale hanno cominciato a “scambiarsi di posto” con la realtà “schermata” virtuale delle riprese video, nel secondo, il cinegiornale del blocco ha fatto un documento creatività artistica questi anni.

Esposizione come principio organizzativo consente una presentazione completa delle opere permanentemente conservate nel fondo. Tali opere possono essere inferiori nella loro qualità artistica alle opere della mostra permanente, che determinano il "volto" del museo, tuttavia sono interessanti per il loro scarso studio e l'inaccessibilità al pubblico. Mostrare opere "dai fondi" è in grado di diversificare le forme tradizionali del lavoro del museo, di aprire leggermente le porte sempre chiuse dei depositi.

Il "Fondo aperto" del Museo statale russo, come forma espositiva, ha risolto questi problemi e ha mostrato una delle sezioni della collezione di sculture in quantità superiore a quella consentita per la tradizionale costruzione dell'esposizione. La scultura è stata collocata su rastrelliere simili a quelle di scorta, che forniscono funzionalmente solo la massima capacità e sicurezza del materiale e non implicano per esso alcuna rappresentatività e ne mettono in risalto i pregi artistici. La scultura sugli scaffali era separata dal pubblico da una barriera trasparente e non poteva avere un bypass circolare, che ne creava limitazioni nella percezione, ma il trasferimento delle funzioni di archiviazione da spazio ufficio nella mostra ha trasformato queste funzioni in un oggetto di esposizione e ha permesso di vedere uno speciale mondo museale nascosto agli occhi degli estranei.

Tecniche espositive che creano l'immagine di uno specifico ambiente museale, trasferite nelle sale, sono state utilizzate anche alla mostra delle nuove acquisizioni (1998). L'esposizione, che rappresenta un'ampia esposizione di acquisizioni museali di molti tipi di belle arti in tutta la sua diversità, è stata decisa come un deposito su larga scala che è entrato nelle sale. I reperti sono stati collocati su apposite attrezzature "di scorta" - assi a traliccio per la pittura, tramite supporti a telaio per la scultura, accanto alle tradizionali attrezzature espositive: piedistalli, assi, vetrine. Questa tecnica ha creato l'immagine del museo come un'entità viva e rinnovante, che collega il passato e il presente, lo specifico e il tradizionale.

Le mostre tenute nell'Ermitage di Stato sono contrassegnate dalla massima qualità del materiale presentato, portata e scala. Ognuno di loro ha un'interpretazione espositiva convincente, manifestata in tecniche di presentazione espressiva. La mostra "Fabergé: Lost and Found" (2004) ha presentato gioielli realizzati da Carl Fabergé e altri artigiani per la famiglia imperiale.

Il compito espositivo consisteva in una degna presentazione dei leggendari gioielli, che tornarono nuovamente alla loro dimora ancestrale. Il problema di tali mostre è la piccola scala degli oggetti esposti, che sono stati collocati in vetrine-cubi trasparenti, che stabiliscono la proporzionalità dell'ambiente spaziale. Ogni vetrina-cubo aveva un'illuminazione direzionale e forniva le condizioni ottimali per la percezione degli oggetti esposti in una stanza buia. Il progetto illuminotecnico della mostra ha creato l'immagine di una grotta misteriosa con tesori che luccicano al crepuscolo. L'effetto era accentuato da scudi ricoperti di materiale scuro, che formavano un muro continuo lungo il perimetro della sala, completamente rivestito di piante finte con steli pendenti. I cartelloni riportavano anche immagini ingrandite delle opere esposte nelle vicine vetrine.
Conclusioni. Il valore di una mostra d'arte nelle condizioni della cultura moderna è grande e la giusta tecnologia per il loro design è la chiave del successo. Sull'esempio dell'analisi dei principali concetti spaziali proposti da filosofi stranieri e domestici, si può vedere che la mostra è un tipo di spazio speciale, artistico.
Allo stato attuale di sviluppo delle mostre, diventa possibile raggruppare secondo alcune tipologie molti casi di esistenza di uno spazio espositivo in specifici edifici della città, rivelandone i tratti fondamentali. Il fattore più importante nell'organizzazione dell'ambiente espositivo è il principio espositivo, che ne determina la percezione visiva e semantica. L'esposizione consente anche di risolvere i problemi di formazione di un paesaggio culturale adattando gli edifici urbani "non centrali" per fungere da ambiente espositivo. Attualmente, la mostra sta diventando una delle tappe nella formazione del mercato dell'arte, fornendo le condizioni per il suo pieno funzionamento come istituzione culturale moderna. La mostra consente ai mezzi delle attività curatoriali di realizzare progetti artistici socialmente significativi.

Organizzazione della mostra

include diversi elementi noti come "Regola 4 R":

1. Progettare una mostra.

2. Attrarre visitatori.

3. Personale.

4. Ottenere e analizzare i risultati.

Progettazione espositiva

Per organizzare correttamente una mostra e alla fine ottenere il massimo risultato, devi prima decidere: per quali scopi la stiamo organizzando?

1. Il primo passo per organizzare una mostra è definirla argomento. Forse questa è un'esposizione di un artista o tendenze nell'arte contemporanea. Inizia con un'idea.

2. Seleziona una data per organizzare una mostra. Assicurati che non ci siano eventi simili in questi giorni.

3. Organizzatori. Affronterai questo da solo, coinvolgerai le autorità cittadine o distrettuali o troverai partner? Decidi subito chi farà cosa e questioni finanziarie e se questi non sono tuoi parenti, concludi un contratto scritto. Per organizzare la mostra, prova a trovare ulteriori finanziamenti: possono essere aziende e investitori privati. Le grandi mostre di solito costano tanti soldi, ma offrono un'enorme opportunità per aumentare il prestigio dell'organizzazione che sponsorizza l'evento.

4. Pubblicità. Quando noi stiamo parlando per quanto riguarda l'organizzazione della mostra, è assolutamente necessario creare materiale promozionale: brochure e cataloghi. Pianifica i contenuti del catalogo e cerca di trovare esperti d'arte che scriveranno testi per esso. Approva il design di tutti i materiali relativi alla tua mostra: cataloghi, striscioni, cartoline, calendari, ecc. Ora brochure, volantini e opuscoli verranno stampati per te da qualsiasi tipografia. Assicurati che ci sia tutto informazione necessaria per chi vuole trovarti dopo la mostra. Un piccolo foglio luminoso di informazioni di base è tutto ciò di cui hai bisogno! Inoltre, dovrai spendere soldi per la pubblicità, che attirerà i visitatori della mostra. Tra circa un mese dovrebbero apparire annunci luminosi sui giornali cittadini e sulla televisione locale. I manifesti dovranno anche essere affissi per le strade. Devi anche distribuire volantini in luoghi affollati e fare pubblicità su Internet. Articoli e messaggi su pagine tematiche, sempre siti tematici, forum e social network, così come mailing list e pubblicità contestuale funzionano meglio in rete.

5. Crea uno spazio espositivo. Classificazione delle principali tipologie di spazi espositivi:

1) "profilo”, vale a dire appositamente progettato e costruito a scopo espositivo o per lungo tempo funzionante in tale veste, adattato a tali scopi, ma originariamente non destinato a loro;
2) "casuale", compresi gli spazi espositivi all'aperto.

Tutti i tipi di spazi espositivi elencati hanno un sistema di "luoghi" - punti di accento, correlati a proiezioni di divisioni ritmiche dello spazio. Tale sistema di accenti sarà determinato in ogni tipologia di spazio espositivo dalla presenza di elementi architettonici, unità funzionali o (spazi espositivi aperti) dagli stessi reperti e dai loro vettori.

Potresti aver bisogno di un aiuto professionale per allestire installazioni artistiche o posizionare dipinti molto grandi. Organizza lo spazio in modo che sia comodo per i visitatori muoversi e in modo che tutti i reperti siano disponibili per la visualizzazione. Il movimento delle informazioni dall'espositore al visitatore si compone di tre fasi: Nella prima fase, viene selezionato: la formazione dello scenario della mostra. Nella seconda fase, le informazioni selezionate sono rivestite nella forma in cui saranno trasferite al visitatore (sotto forma di un'esposizione di oggetti da banco, sotto forma di cerimoniale, commerciale, qualificante, consultivo ed educativo, pubblicitario e di intrattenimento eventi; a moduli elettronici esposizione). Nella terza fase, le informazioni vengono trasmesse, ricevute, percepite e comprese, finalizzate all '"effetto post-esposizione", che è l'obiettivo principale dell'organizzazione di mostre. L'uso di una varietà di temi e scenari espositivi si riflette nella diversa scala dell'esposizione, dei suoi reperti e attrezzature costituenti, tra cui:

a) Elementi oggetto-panchina dell'esposizione - componenti volumetrico-spaziali (mostre e stand) dell'organizzazione dello spazio espositivo.

b) Elementi elettronici dell'esposizione - mezzi multimediali per presentare informazioni visivo-grafiche, testuali, audio e video, compresi i componenti interattivi.

6. Crea pannelli informativi a tutti i lavori. Il testo esplicativo completo include non solo il titolo, ma risponde anche alle domande generali degli spettatori. Così i visitatori della mostra potranno comprendere meglio quanto presentato.

7. Programma programma espositivo e scrivere un comunicato stampa sull'evento. Invialo alla stampa artistica e alle riviste di viaggio. È possibile questo esposizione non solo i residenti della tua città vorranno visitare.

8. Pensa a cosa sarà apertura della mostra. Spesso nella serata di apertura viene organizzato un evento: un cortometraggio (ad esempio un'intervista con l'autore), un'esibizione di un gruppo musicale o semplicemente una parola introduttiva di autori, curatori e tutti gli interessati. festeggia l'apertura della mostra e osserva come sempre più persone si avvicinano alle idee dell'arte, grazie a te e alla mostra da te organizzata. Un'opzione interessante interessare i visitatori - conduzione di corsi di perfezionamento. Assegna un posto per un artigiano che creerà alcune cose davanti agli occhi dei visitatori e allo stesso tempo insegnerà a tutti coloro che desiderano alcuni semplici trucchi.

camera. Trovare un posto. Dipendono dalle dimensioni della mostra prevista, dalla sua direzione e persino dal periodo dell'anno, perché in estate puoi fare molto solo all'aria aperta. Ora la maggior parte dei musei organizza varie mostre temporanee, quindi se ti piacciono i ricami o l'artigianato popolare, puoi negoziare con loro. Un'esposizione abbastanza decente può essere organizzata nella hall dell'hotel, nella casa della cultura o nel nuovo centro commerciale dove non tutte le aree sono state ancora affittate. In generale, ormai in ogni città ci sono abbastanza locali liberi che vengono affittati, a volte per la vendita di scarpe, a volte per fiere di pellicce.

Che tu stia mettendo in mostra il tuo lavoro o il lavoro di altri artisti, ospitare una mostra è un'esperienza unica e arricchente. Sebbene riunisca così tanti elementi in modo che tutto formi un insieme coerente e allo stesso tempo abbia un senso, può essere tutt'altro che semplice. Pertanto, quando organizzi una mostra da solo, è estremamente importante avere un piano d'azione. Una volta deciso il tema della mostra, puoi accettare le candidature degli artisti interessati, scegliere una sede adatta per questo evento e lanciare campagna pubblicitaria in modo che quante più persone possibile vedano e apprezzino la tua collezione.

Passi

Parte 1

Ricerca artistica

Scegli un tema unificante. Una mostra d'arte ponderata è caratterizzata da un tema ben tracciato che lega insieme i diversi pezzi e dà la sensazione che facciano parte di un tutto. Pensa a quale messaggio dovrebbe trasmettere la tua mostra. Può essere un'immagine o un fenomeno, una sensazione o una certa tecnica visiva.

Scegli il lavoro più impressionante. Seleziona alcune delle tue creazioni migliori o più recenti da mostrare. Se stai organizzando una mostra personale incentrata sul tuo lavoro, avrai bisogno di 10-30 dipinti da presentare al pubblico. In ogni copia deve essere riportato il tema della mostra.

Contatta artisti locali per fornire materiali espositivi. Fai una piccola ricerca per trovarlo persone creative nella tua regione che potrebbero essere interessati a partecipare alla tua mostra. Uno sforzo collaborativo può essere una grande opportunità per molti artisti diversi di presentare la propria arte in un unico evento, risultando in una selezione più diversificata e completa.

Lavora attraverso diversi canali. La tua mostra non dovrebbe consistere solo di tele e disegni. Sentiti libero di includere il lavoro di fotografi, scultori e altri artisti figurativi. Un'ampia selezione di opere darà alla collaborazione un'atmosfera dinamica e porterà più gioia ai tuoi clienti.

• Maggior parte La decisione migliore– assumere opere che possono essere incorniciate, appese al muro e vendute. Anche se puoi anche invitare poeti o musicisti a esibirsi all'evento, soprattutto se il loro lavoro integra il tema della mostra.

Parte 2

Organizzazione di eventi

1. Decidi la data e l'ora. Organizzare una mostra d'arte richiede una quantità estenuante di coordinamento, quindi sii realistico riguardo al periodo di tempo che ti sei prefissato. È una buona idea iniziare a pianificare il tuo evento con almeno 2-3 mesi di anticipo in modo da avere abbastanza tempo per prepararti. Se possibile, scegli una data verso la fine della settimana, quando molte persone hanno un giorno libero e sono alla ricerca di cose da fare in città.

   Prenota un locale. Inizia a cercare una sede adatta per la mostra. La soluzione più ovvia è affittare uno studio o una galleria d'arte, ma ricorda che la scelta non si limita ai tradizionali luoghi d'arte. Puoi chiedere in ristoranti, caffè, centri culturali, chiese e centri commerciali e scoprire se vorrebbero aiutare a organizzare questo evento.

   Valuta il tuo lavoro in vendita. Lo scopo della mostra non è solo mostrare le opere dell'artista, ma anche venderle. Una volta che hai un'esposizione, vale la pena considerare quanto apprezzi ogni pezzo. Cerca di stabilire prezzi accettabili sia per te che per l'acquirente, tenendo conto della tecnica pittorica, complessità tecnica e il lavoro coinvolto nella creazione di questo lavoro.

   Lascia andare la voce. Fai sapere alle persone intorno a te che stai lavorando a una mostra. Puoi menzionarlo in una riunione personale o pubblicare informazioni sull'evento sulle tue pagine in nei social network. In alcuni casi, è possibile collaborare con l'amministrazione della sede, che può assicurarsi che le notizie raggiungano una fascia più ampia di visitatori attraverso il proprio sito Web, comunicati stampa e annunci ufficiali.

Parte 3

Tenere una mostra di successo

Chiedere aiuto. Ottieni il supporto di volontari e l'aiuto di professionisti: traslocatori, corniciai ed esperti di illuminazione. Tutti insieme sarà più facile far fronte al coordinamento di scarico e carico del lavoro, collocamento equipaggiamento necessario ed espone in un luogo designato, monitorando le opere d'arte per assicurarsi che non vengano danneggiate o rubate. Un team dedicato può alleggerire il tuo fardello e la loro presenza (del team) assicura che l'evento si svolga senza intoppi.

• Oltre ai traslocatori, è una buona idea assumere anche un fotografo o un cameraman per filmare l'evento Gruppo musicale o un DJ per un accompagnamento musicale discreto.
• Delega compiti e responsabilità a un team di volontari in modo da avere l'opportunità di dare gli ultimi ritocchi alla cucina.

1. Prepara il tuo spazio espositivo. Il tuo primo ordine sarà l'installazione e il posizionamento delle opere nel luogo designato. Sulla base di ciò, puoi regolare l'illuminazione in modo che ogni opera sia ben illuminata e chiaramente visibile. Immagina come desideri che i visitatori vedano e interagiscano con lo spazio, quindi pensa al layout finale che soddisfi gli obiettivi.

2. • Come per tutto ciò che riguarda la mostra, nella compilazione del menù bisogna tenere conto della location. Pensa anche a che tipo di atmosfera vuoi creare (informale o formale) e che tipo di outfit vuoi che i tuoi partecipanti indossino.
   • Gallerie d'arte più rinomate a volte coprono il costo del cibo in occasione di grandi eventi.
• Si consiglia vivamente di stipulare un'assicurazione di responsabilità civile per il luogo in cui si tiene la mostra. Pertanto, non sarai ritenuto responsabile se succede qualcosa all'ospite, al dipinto o alla stanza stessa.
• Pianifica, acquista, organizza la consegna, la pulizia, l'inquadratura e il posizionamento il prima possibile per ridurre lo stress associato all'avvicinarsi della data dell'evento.
• Avvolgi la tua opera d'arte in pluriball per proteggerla durante il trasporto da e verso la sede.
• Se non hai paura discorso pubblico, esibirsi in apertura con breve discorso. Ringrazia gli ospiti per essere venuti, quindi prenditi qualche minuto per spiegare brevemente l'argomento scelto, presentare gli artisti con cui hai collaborato e la tua visione generale per questo progetto.
• Prendi in considerazione la possibilità di vendere altri prodotti (magliette, borse, spille, ecc.) che potrebbero interessare le persone che non intendono acquistare opere d'arte originali.

Avvertenze

• Assicurati di avvisare i futuri visitatori se la mostra presenta temi "per adulti" che non sono adatti ai giovani spettatori.

Le mostre d'arte sono una complessa forma di interazione tra l'arte e il pubblico che la venera. Ma alle mostre i visitatori percepiscono non solo le creazioni stesse. Prestano attenzione allo spazio, alla posizione, alla composizione e agli altri spettatori presenti alla mostra.

Pertanto, se parliamo della psicologia della percezione di una mostra d'arte nel suo insieme, non si può sostenere che i visitatori ammirino solo l'immagine. Guardano tutto in generale. Se a loro piace l'intera composizione, acquisiranno il lavoro con piacere.

Ogni mostra conterrà necessariamente una certa trama che collega tutte le opere presentate in una linea, le generalizza. Tali esposizioni sono solitamente raccolte su una varietà di argomenti, trame, tendenze, autori e stile.

Oggi il problema della suddivisione delle mostre in base alle loro caratteristiche è particolarmente sentito. Il motivo era che c'era un numero enorme di persone che si definiscono artisti di talento. Spesso è difficile per i veri professionisti mettersi alla prova.

Alle mostre tematiche, ora puoi mostrare il tuo talento in pieno. Su di essi, lo spettatore stesso determinerà a quale autore professionista dare la preferenza. Inoltre, tali eventi sono necessari nel mondo dell'arte contemporanea. Non solo aiutano a imparare nuovi nomi nell'arte, ma anche a presentarli alla tua famiglia, ai tuoi amici e, naturalmente, a te stesso.

Le mostre sono sempre state popolari. Ma oggi sono particolarmente importanti per tutti, soprattutto per le giovani generazioni. Anche le mostre d'arte continuano a vendere opere. E questo è molto buono. Dopotutto, quando vedi una specie di immagine e la capisci come nessun altro, è difficile resistere e non comprarla per te stesso. Sarebbe un peccato se un tale servizio non esistesse.

Quindi, possiamo definire il concetto di mostra d'arte di oggi. È un luogo in cui l'artista si manifesta, può acquisire comprensione e popolarità, ammirazione e amore per il pubblico. Il pubblico si unisce al bello, riceve soddisfazione morale, comprende meglio il presente e acquista anche dipinti. Puoi sempre visitare mostre, sentire il mondo dell'autore di opere e acquistare dipinti per te stesso.

Grado 1 Grado 2 Grado 3 Grado 4 Grado 5

Esibizione artistica, un'esposizione pubblica (solitamente temporanea) di opere d'arte, la principale forma di conoscenza degli spettatori con l'arte da cavalletto. Le mostre d'arte possono essere internazionali, nazionali, regionali; stazionario e mobile; periodico (biennale annuale biennale e triennale triennale, ecc.).

Le mostre d'arte possono differire per numero di partecipanti (personali, collettive, collettive), per composizione (membri dell'Accademia delle Arti, studenti di arte istituzioni educative ecc.) o appartenenti a gruppi artistici. Mostre d'arte organizzate dedicate a alcuni tipi e generi artistici (pittura, scultura, incisione, acquarello, paesaggio, ritratto, ecc.), temi (le cosiddette mostre d'arte tematiche) e tendenze belle arti. Grande importanza per la storia dell'arte, presentano mostre d'arte museali (tematiche e personali, con il coinvolgimento di opere conservate nei depositi o pervenute temporaneamente da altri musei, mostre di nuove acquisizioni, ecc.), nonché mostre d'arte dedicate a singoli fenomeni e periodi in la storia dell'arte, la cui esposizione comprende spesso opere conservate in paesi diversi. Alle mostre d'arte contemporanea commissione speciale(la giuria) seleziona le opere in base al tema e alla qualità, assegna i premi. Il comitato della mostra, che conduce l'intero lavoro organizzativo(acquisizione e collocazione di mostre, pubblicazione di cataloghi, organizzazione di escursioni, ecc.). La storia delle mostre d'arte risale all'esposizione pubblica di opere d'arte nell'antica Grecia (dal VI secolo aC), in Italia (XV-XVI secolo), in Olanda e nelle Fiandre (XVII secolo). In Francia, la Royal Academy of Painting and Sculpture iniziò a organizzare mostre delle opere dei suoi membri dal 1653 (dal 1699 al Louvre; vedi Salon). Nel XVIII sec. mostre regolari furono organizzate nell'Accademia delle arti di altri stati (inclusa l'Accademia delle arti di San Pietroburgo dal 1760). Nel 19 ° secolo Le mostre d'arte stanno diventando la principale forma di partecipazione dell'arte alla vita pubblica, un'arena per la lotta delle tendenze ideologiche e artistiche. Nella seconda metà del XIX sec. alle mostre d'arte ufficiali si oppongono le mostre d'arte non ufficiali (ad esempio, in Francia, il "Salon of the Rejected", 1863) e le associazioni espositive pubbliche (ad esempio, le Secessioni tedesca e austriaca, dal 1892). Nel XX secolo. Nei paesi capitalisti, insieme alle mostre di arte classica e moderna progressista, vengono organizzate molte mostre d'arte, che sono di natura pubblicitaria e commerciale e diffondono l'ideologia borghese. Una vasta gamma di tendenze contemporanee è presentata nelle più grandi mostre d'arte periodiche: la Biennale di Venezia (Italia; istituita nel 1895) ea San Paolo (Brasile; dal 1951), la mostra periodica "Documento" a Kassel (Germania). in Russia nel XIX secolo. le mostre dei Wanderers (dal 1871) avevano il carattere più avanzato. La natura complessa e contraddittoria dello sviluppo dell'arte russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. ha portato a un forte aumento del numero di mostre d'arte (mostre del mondo dell'arte, dell'Unione degli artisti russi, del fante di quadri, ecc.). In URSS e in altri paesi socialisti, le mostre d'arte destinate alle grandi masse svolgono un importante ruolo educativo. Tra le più grandi mostre tematiche d'arte, che riflettono lo sviluppo dell'arte socialista: "15 anni dell'Armata Rossa" (1933), "Esposizione di belle arti dei paesi socialisti" (1959), "Guarding the World" (1965), la Mostra d'arte dell'anniversario di tutta l'Unione "50 anni di potere sovietico" "(1967), la Mostra d'arte di tutta l'Unione "Nel 100 ° anniversario della nascita di V. I. Lenin" (1970), "Gioventù del paese", "Gloria a lavoro" (entrambi - 1976), "Stiamo costruendo il comunismo" (1981) - tutto in